Таким образом, для полноценного качественного музыкального
сопровождения урока по всем хореографическим дисциплинам,
концертмейстеры используют все виды мобильной связи: образо-
вательные платформы Sova, мобильное приложение ZOOM, телефонное
приложение WatsApp, видео и аудио чаты и многое другое. Сложность
дистанционного обучения испытывают те обучающиеся, которые
проживают в отдаленных уголках нашей страны, особенно в сельской
местности, где проблемы с мобильной связью. И в этом случае,
концертмейстеры находят возможность переслать таким учащимся
записанное музыкальное сопровождение урока.
В заключение отметим, что обучение в режиме онлайн в
творческих учебных заведениях, конечно же, является вынужденной
мерой. В сложившихся обстоятельствах преподаватели фортепиано и
концертмейстеры находят пути решения проблем, но традиционное
музыкальное образование никак не заменит всех возможностей
дистанционного обучения. Это все оценили, когда столкнулись в
реальности с ДОТ (дистанционными образовательными техноло-
гиями). В то же время, при переходе на традиционное обучение, у
музыкантов будет опыт работы в режиме онлайн, который найдёт
необходимое применение на практике, будет связывать нас с мировым
музыкальным сообществом и повысит качество музыкального и
хореографического образования.
Список литературы:
1. MERCURY EDUCATION [Электронный ресурс] Режим доступа:
https://www. mercury-education.com (Дата обращения – 12.02.21) Опыт
США в развитии дистанционного образования [Электронный ресурс]
Режим доступа: https://cyberleninka.ru
2. Онлайн-брифинг Министра цифрового развития, инноваций и
аэрокосмической промышленности Б. Мусина [Электронный ресурс]
3. Режим доступа: https://caspiannews.com/news-detail/5g-
network-goes-live-in-kazakhstan-2019-10-23-49/ (дата обращения:
10.11.2020).
4. Громов Ю. И. Танец и его роль в воспитании пластической
культуры актера. СПбГУП, 1977.
5. Копылова Л. Н., Тарановская Е. В. Работа концертмейстера
хореографического училища в условиях дистанционного обучения.
6. Материалы Селезневских чтений, Алматинское хореогра-
фическое училище имени А. Селезнева, 2020.
7. Мусапирова Ж.Т. Интервью с концертмейстером Алматин-
ского хореографического училища имени А. Селезнева Карменовой Т. Ж.
Материалы Селезневских чтений, Алматинское хореографическое
училище имени А. Селезнева, 2020.
149
Железновы и Шарипова, двойной портрет
в интерьере фортепианного дуэта
Гульзарова Инесса
Государственная консерватории Узбекистана
Узбекистан, Ташкент
Аннотация: О фортепианном дуэте – уникальном жанре музы-
кального искусства и любимом виде музицирования, известном, но
забытом дуэте Железновых, их роли в развитии ансамблевой
культуры и традиций дуэтного исполнительства в Узбекистане,
пианистке Адибе Шариповой, уникальном Форуме-фестивале
«Континет ФА», о его благотворительных целях и задачах.
Ключевые слова: ансамбль, искусство, исполнитель, дуэт,
атмосфера, слушатель, концерт, сцена.
Annotatsiya: Maqola musiqa san’atining noyob, sevimli va o‘ziga hos
janri – fortepiano dueti haqida. O‘zbekistonda duet ijrochiligi an’analarini
rivojlantirishdagi ulkan ahamiyat kasb etgan Jeleznovlar dueti haqida.
Hamda mahoratli pianinochi Adiba Sharipova, "Continent FA" Forum-
festivali, uning xayriya maqsad va vazifalari haqida.
Kalit so‘zlar: ansambl, san’at, ijrochi, duet, muhit, tinglovchi,
kontsert, cahna.
Abstract: About the piano duet – a unique genre of musical art and
favorite form of playing, the famous but forgotten duet of the Zheleznovs,
their role in the development of ensemble culture and traditions of duet
performance in Uzbekistan, pianist Adiba Sharipova, the unique Forum-
Festival "Continet FA", about its charitable goals and tasks.
Keywords: ensemble, art, performer, duet, atmosphere, listener,
concert, stage.
Фортепианный дуэт – уникальный жанр музыкального искус-
ства, объединяющий в ансамбле двух исполнителей одной спе-
циальности. К тому же это любимый вид музицирования, имеющий
два направления в исполнительском искусстве: два исполнителя за
одним фортепиано, два исполнителя за двумя фортепиано. Возник-
новение фортепианного дуэта и его распространение повлияло на
становление исполнительской культуры в целом. Развитие этого
жанра началось с эпохи барокко, продолжается оно и сегодня.
Музыку для фортепианных ансамблей писали почти все
композиторы – от Баха до современных авторов.
Составители одного из сборников, посвященному этому жанру,
отметили, что в начале XXI столетия фортепианный ансамбль
150
многогранно представлен на мировом музыкальном пространстве .
1
«Концерты и фестивали объединяют профессиональные форте-
пианные дуэты, просветительская деятельность которых, обладает
магнетической центробежной силой. Даже один яркий дуэт в городе
способен завоевать аудиторию и погрузить слушателей в атмосферу
жанра, увлекая наряду с признанными шедеврами музыкальной
культуры новинками оригинального репертуара. Когда же таких
дуэтов много, реализация творческого потенциала единомышлен-
ников охватывает еще больший диапазон претворения, распро-
страняясь практически во все сферы искусства, культуры и
образования» [1, с.6].
Таким фортепианным дуэтом в Узбекистане был в конце 80-х –
90-х годах прошлого столетия супружеский тандем Ирины и
Максима Железновых, чьи концерты всегда были одними из
наиболее ярких музыкальных событий Ташкента. Их исполнитель-
скую деятельность можно сравнить с миссионерством, служением
идеалу, имя которому – совершенство. Они добились того, что анш-
лаги на их выступлениях стали явлением постоянным (в то время,
как и сегодня, было не так-то легко собрать многолюдную слуша-
тельскую аудиторию). Аншлаги были потому, что ташкентская пуб-
лика давно и хорошо знала этот дуэт. Да и среди профессиональных
музыкантов – судей, как правило, более строгих и пристрастных –
исполнители пользовались немалым авторитетом. Железновых
любили за мастерство, эмоциональность. В их игре покоряло
удивительно красивое звучание рояля с полнозвучным форте и без
малейших признаков форсировки – с богатыми оттенками пиано,
которое, будучи предельно тихим, тем не менее, оставалось
«звучащим». Нельзя не отметить каким высоким был класс их
пианистической техники, а также великолепный ритм и прекрасная
педализация.
С годами игра Ирины и Максима стала еще более возвышенной
и тонкой, заметно изменилось и прочтение многих произведений,
поражая глубиной мыслей, красотой и разнообразием звуковых
красок. С 1989 года начался их конкурсный марафон – они лауреаты
пяти международных конкурсов, среди которых абсолютная победа
на одном из самых престижных. Это конкурс фортепианных дуэтов
имени Мюррея Драноффа в Майами (1991 год), на котором, помимо
первой премии, Железновы были удостоены специального приза за
1 В 2016 году в свет вышел сборник «Фортепианный ансамбль в современном
музыкальном искусстве и образовании», созданный по материалам
Международной научно-практической конференции, состоявшейся 25 марта 2015
года в Российском государственном педагогическом университете имени
А.И.Герцена Санкт-Петербурга.
151
лучшее исполнение обязательного произведения – сюиты для двух
фортепиано «Рекуэрдос» американского композитора В.Болкома.
Западная пресса в те дни не скупилась на похвалы, называя их
«самым искусным дуэтом», отмечая «глубокую музыкальность и
превосходное чувство ансамбля», «естественность фразировки и
тонкое чувство стиля» [2].
Действительно, исполнительский облик дуэта Железновых
определялся, прежде всего, творческим единомыслием музыкантов.
Речь не только о метрической и ритмической синхронности, но и о
полной согласованности интерпретаторского замысла, которая,
нисколько не обезличивала индивидуальность, ни Ирины, ни
Максима. Напротив, она с художественной убедительностью прояв-
лялась у обоих как в диалогах, так и в сольных эпизодах – все это,
естественно, придавало их выступлениям особый колорит. И еще. В
дуэте царило полное творческое равноправие. Никто не претен-
довал на лидерство и это, на мой взгляд, был один из главных
козырей в их многочисленных победах.
Железновы выступали в дуэте около четверти века. В их
ансамблевом репертуаре было множество сочинений таких
композиторов как Бах, Моцарт, Шуберт, Брамс, Дебюсси, Равель,
Рахманинов, а также современная музыка (Лютославский, Мессиан,
Шнитке, Денисов, Гаврилин), включая собственные аранжировки.
Они играли и премьеры, мало исполняемые сочинения не только
русских и узбекских композиторов, но и авторов «дальнего
зарубежья». Трудно сказать, был ли опус, написанный для
фортепианного дуэта, который бы они не играли. Они отдавали
предпочтения произведениям ярко концертным, масштабным,
глубоким по содержанию.
Мне вспоминается фестиваль фортепианных дуэтов «Пять
вечеров», который в 1997 году прошел в Ташкенте по их инициа-
тиве, и в котором приняли участие мэтры этого жанра российские
музыканты – заслуженный деятель искусств России Елена Сорокина
и заслуженный артист России Александр Бахчиев. Вместе с ними в
концертах этого музыкального форума приняли участие лауреат
международного конкурса Анна Гузаирова, пианистка Эльмира
Нуралиева, камерный оркестр «Туркистон» под управлением
заслуженного деятеля искусств Узбекистана Эльдара Азимова.
Тогда, насыщенные и разнообразные программы фестиваля
составили немалую ценность не только для специалистов. Даже в
концертах классики наряду с произведениями, звучащими довольно
часто, было представлено многое из того, что или очень редко, или
вообще не исполнялось в Ташкенте, – концерты И.К.Баха, И.С.Баха,
Л.А.Кожелуха, ряд сочинений К.Черни.
152
Полноправной частью фестивального репертуара стала совре-
менная музыка. И опять наряду с тем, что уже является неотъем-
лемой частью культуры – «Весной священной» И.Стравинского или
вальсом М.Равеля, – сочинения двух ташкентских композиторов
Янов-Яновских для меццо-сопрано и двух фортепиано. Художествен-
ную красоту произведения Феликса Марковича «Не знаю, где…»
обусловили содержательная глубина и самобытность музыкального
языка. Сложным полотном, впечатляющим эмоциональностью
высказывания, предстали «Лунные песни» его сына Дмитрия –
вокальный цикл на стихи Гарсиа Лорки. Донести и то, и другое до
слушателя помогли прекрасные исполнители – Анна Гузаирова и
дуэт Железновых.
Свой сольный вечер этот звездный дуэт посвятил современной
музыке – «ХХ век – далекое и близкое…», продемонстрировав превос-
ходную палитру звуковых красок, динамику, ритм. А в таких оркест-
ровых вечерах, как «Моцарт и его современники», «Бах» Железновы
великолепно выступили с дуэтом Бахчиев-Сорокина. Здесь было все
– и интеллект, и артистизм, и техническое мастерство. Достойным
партнерам им предстал и камерный оркестр «Туркистон». Венчал
фестиваль оригинальный вечер «От трёх до восьми», где два дуэта –
гости и хозяева – исполнили сочинения в три, шесть и восемь рук
Б.Сметаны, С.Рахманинова, Д.Мийо, П.Грейнджера и К.Черни,
утвердив себя как замечательно сыгранный ансамбль, умеющий
держать внимание аудитории…
Известно, все музыкальные дуэты – преимущественно семей-
ные, и Железновы не являлись исключением. Они познакомились в
Московской консерватории – учились на одном курсе. Там и начали
играть вместе. Позже поступили в ассистентуру-стажировку в класс
профессора Тиграна Алиханова. Этим и объяснялась их абсолютная
гармония эстетических и художественных принципов, которая
возможна среди участников дуэта, воспитанных одним педагогом,
обученных одной методологией, выросших в одной эстетической
среде. И не только. Наиболее счастливо фортепианный дуэт
складывается из членов семьи: брата и сестры, родителей и детей
или на примере Железновых – мужа и жены, что подтверждает
мысль о психологической совместимости, которая необходима в
дуэте. Правда, не все семейные ансамбли творчески долговечны. Не
явились в этом плане исключением и Ирина с Максимом. Но об этом
позже.
Звездный дуэт Железновых был постоянным участником
различных концертов и международных фестивалей. Они всегда
были полны энергии и желания работать. Оба преподавали в
Ташкентской консерватории: Ирина была доцентом, заведовала
153
кафедрой камерного ансамбля, Максим был доцентом кафедры
концертмейстерского мастерства. Их студенты успешно участво-
вали в концертной жизни нашего музыкального вуза, и аплодис-
менты, которые были адресованы юным музыкантам, в известной
степени предназначались и их педагогам – Ирине и Максиму
Железновым.
К сожалению, этот союз как семейный, так и фортепианный,
закончился в начале «нулевых» разводом. Причину оба супруга не
разглашали. Сегодня каждый из них занимается своей профессией в
одиночку: Ирина – в Израиле, Максим – в Москве. На просторах
интернета можно встретить несколько скупых строк об их дуэте, две
аудиозаписи с «Андалузскими танцами» испанского композитора
М.Инфанте и ни одной фотографии… На душе вдруг стало грустно.
Почему? Да потому что эти музыканты были истинными
подвижниками фортепианно-дуэтного исполнительства, и мы не
имеем права вычеркнуть из летописи музыкальной жизни нашей
консерватории их огромную роль в формировании ансамблевой
культуры и традиций дуэтного исполнительства в Узбекистане.
После распада тандема Железновых в нашей республике в
жанре фортепианного дуэта образовалась большая амбразура. Одна-
ко спустя семнадцать лет его решилась реанимировать известная
узбекистанская пианистка Адиба Шарипова. Но обо всем по порядку.
Вся жизнь Адибы Рауфовны наполнена звуками любимой
музыки, которая, по ее признанию, стала для нее настоящей судьбой.
Закончив РССМШ им.В.Успенского класс заслуженного учителя
Узбекистана Тамары Афанасьевны Попович, она продолжила
образование в Московской консерватории им. П.И.Чайковского у
профессора Льва Оборина, по окончании которой пианистка
вернулась в Ташкент, чтобы на родной земле, в Ташкентской
консерватории продолжить работу. С тех пор вся жизнь Шариповой
посвящена фортепианной педагогике и исполнительству. В стенах
консерватории она прошла путь от педагога до профессора,
выступая параллельно, как пианистка, на лучших концертных
площадках Ташкента: в залах Государственной консерватории
Узбекистана, Дворце искусств «Туркистон», Союзе композиторов и
других. Ее игру отличает высокий класс пальцевой техники,
великолепный ритм, ясная, умная фразировка, воля и самоконтроль,
не позволяющие эмоциям «расплескаться», – так ли уж часто
встречается все это вместе у одного музыканта?
Сегодня Адиба Шарипова заслуженная артистка Узбекистана,
лауреат нескольких престижных премий, дипломант международ-
ного конкурса, исследователь. Ей рукоплескали во Франции, Турции,
Греции, Португалии, Болгарии, России и других странах. Наряду с
154
произведениями композиторов-классиков И.С.Баха, Й.Брамса,
Ф.Листа, С.Рахманинова, П.Чайковского, М.Равеля и других,
Шарипова одна из немногих пианистов республики, постоянно
включает в свои концертные программы и сочинения композиторов
Узбекистана: Р.Вильданова, М.Бафоева, Д.Сайдаминовой, Н.Заки-
рова, Ф.Янов-Яновского, А.Мансурова и многих других. В одном из
интервью она призналась: «Я выхожу на сцену только тогда, когда
мне есть что передать своим слушателям, чтобы их души воспарили
и наполнились великим божественным озарением. На мой взгляд,
это является великой истинной Ф и удивительным чувством юмора,
она постоянно находится в поиске новых форм подачи любимой
классической музыки, а отсюда и рождение ряда ее авторских
инновационных проектов, будь то индивидуальные или групповые,
открывающие необозримые горизонты музыкального искусства.
Запомнился один из последних, самый масштабный, прошедший в
стенах консерватории – Форум-фестиваль «Континент ФА» (под
аббревиатурой ФА зашифрован один из известных жанров
композиторского творчества – фортепианный ансамбль), проведе-
ние которого было запланировано на 2017-2019 годы и направлено
на развитие фортепианного ансамблевого искусства.
Этот уникальный музыкальный проект, впервые реализуемый
в Узбекистане, был поддержан Министерством культуры и
Государственной консерваторией Узбекистана, при участии Союза
композиторов и бастакоров республики, и мемориальной квартиры-
музея им. М.Ашрафи, в котором Шарипова выступила автором,
идейным вдохновителем и участницей концертов. А основной его
целью она видела не только пропаганду зарубежной и узбекской
музыки посредством фортепианного ансамбля, но и продолжение
традиций фортепианного дуэтного исполнительства. В итоге было
намечено проведение различных мероприятий, в числе которых
концерты, конкурс фортепианных дуэтов, научно-практическая
конференция, мастер-классы, семинары и творческие встречи. В
мероприятии приняли участие исполнители, прошедшие профес-
сиональную подготовку – учащиеся Республиканских специализи-
рованных музыкальных академических лицеев им.В. Успенского и
Р.Глиэра (ныне школ-интернатов), а также детских школ музыки и
искусств, преподаватели и студенты консерватории, мастера
фортепианного искусства.
Все это время профессор Шарипова горела желанием прибли-
зить как шедевры мировой музыки, так и творчество композиторов
Узбекистана к современному слушателю, стремясь вызвать в них
живой интерес и желание возвращаться в концертные залы на
новые концерты с разнообразной программой.
155
Будучи креативным человеком, нацеленным на постоянные
поиски новых форм «трансляции» музыки дорогим слушателям,
Адиба Рауфовна всегда их находит, превращая каждый свой
художественный проект в запоминающийся праздник высокой
музыки, связывая ее с театром, живописью, народно-прикладным
искусством, этно-фольклорными духовными ценностями. Вот и в
«Континенте ФА» она объединила известных фортепианных
исполнителей не только кафедры специального фортепиано, но
камерной музыки и концертмейстерского мастерства, а также
композиции и инструментовки консерватории в «антрепризные»
(термин принадлежит Е.Исаевой [4, с.41-50]), которые были созданы
в рамках этого фестиваля без перспективы дальнейшего
сотрудничества. Своей инициативой пианистка, безусловно, вдохно-
вила музыкантов, ведь такие концерты являются не только свиде-
тельством огромных возможностей ансамблевого музицирования,
но и способствуют популяризации фортепианного ансамбля в
целом, привлекая к нему широкое внимание.
Отмечу, каждый концерт фестиваля («Летопись фортепиан-
ного дуэта в «Узбекистане», «Вена приглашает», «Ешлик ифори», и
другие) имел информационное дополнение в виде постера с
фотографиями всех его участников. Приятно удивил и координа-
ционный столб, установленный в фойе театрального комплекса
консерватории, на указателях которого были вписаны все
мероприятия музыкального форума. А для концерта в Малом зале
неутомимая Шарипова привлекла художника-декоратора Атабека
Тураева – студента Национального института художеств и дизайна
имени К.Бехзода, оригинально оформившего как сам зал, так и фойе
перед ним.
В течение целого учебного года в разных залах консерватории,
в которых не было свободных мест, с успехом проходили концерты
«Континента ФА». Профессиональное мастерство исполнителей, их
владение целым рядом технических приемов в передаче
многогранной палитры музыкальных образов, оставило незабы-
ваемые впечатления у всех слушателей фестиваля.
Зрители познакомились с разными музыкальными дуэтами и
ансамблями, а также композиторами различных эпох и направ-
лений. Узнали много нового и интересного об особенностях испол-
нения ансамблевой музыки. Впереди было запланировано участие
зарубежных пианистов, их мастер-классы и 1-ый Республиканский
конкурс фортепианных дуэтов, который, без сомнения, сыграл бы
благотворную роль в расцвете дуэтного исполнительства в нашей
республике. Однако, увы, этим планам не суждено было
осуществиться по причине инертности чиновников от культуры,
156
которые на сей раз не услышали автора этого уникального проекта
Адибу Шарипову, на хрупких плечах которой лежала вся
организационная сторона «Континента ФА». Его удивительные
концерты-перформансы были рассчитаны и на молодежную ауди-
торию – будущее независимого и многонационального Узбекистана,
которую хотелось бы сделать своим постоянным слушателем, если
учесть, что у музыкального искусства одна из задач – поднимать,
просветлять, возвышать, показывать верный путь молодому
поколению. Вот поэтому Адиба Рауфовна не сдается и не сидит на
месте, продолжая противостоять безразличию чиновников и идти
вперед. Проводимый международный научно-практический семи-
нар, одним из организаторов которого является профессор
Шарипова, яркий тому пример.
Список литературы:
1. Фортепианный ансамбль в современном музыкальном
искусстве и образовании: сб. ст. по материалам Междунар. науч.-
практ. конф. 25 марта 2015 г. – СПб.: Изд-во Политехн. Ун-та, 2016. –
264 с.
2. Гульзарова И. Лауреаты международных конкурсов
Железновы: семейный дуэт. Ташкентская Правда, 31 мая 1995.
3. Айрумова Н. Движение души Адибы Шариповой // Зеркало
XXI века, 2008. № 27. 3-9 июля.
4. Исаева Е. Жанровая природа камерного ансамбля и «ре-
жиссерский» метод в ансамблевой педагогике /Е.Г.Исаева// Вестник
Магнитогорской консерватории. Магнитогорск: ГБОУ ВО Челябин-
ской области «Магнитогорская государственная консерватория
(академия) имени М.И.Глинки, 2012. – вып.2, 1.
157
Этно-поп фольклорный ансамбль «ТАЛАС»
Жумабаев Асет
Казахская национальная консерватория им.Курмангазы
Казахстан, Алматы
Аннотация: В данной статье мы рассмотрели историю возник-
новения ансамблей, в составе которых есть электрические инстру-
менты и, в частности, история создания ансамбля «Талас», его состав
и репертуар. Выявлены жанры и методы игры в современном
музыкальном мире. Особое значение направлено на становления и
изучения методов игры на электрическом инструменте басовая
домбыра. И его незаменимая роль в этно-поп ансамблях в совре-
менной музыке Казахстана.
Ключевые слова: электрические инструменты, ансамбль,
басовая домбыра, звук, исполнитель, репертуар.
Annotatsiya: Ushbu maqolada ansamblning kelib chiqish tarixi,
jumladan, uning tarkibidagi elektr asboblari, xususan, "Talas" ansambli-
ning yaratilish tarixi, tarkibi va repertuarlari ko‘rib chiqildi. Zamonaviy
musiqa dunyosida uning janrlari va ijro uslublari aniqlandi. Bass dombra
elektr asbobida ijro etish usullarini shakllantirish va o‘rganishga alohida
e'tibor qaratilgan. Qozog‘istonning zamonaviy musiqasidagi etno-pop
ansambllarining ajralmas o‘rni qayd etilgan.
Kalit so‘zlar: electric cholg‘ular, ansambl, bass dombra, tovush,
ijrochi, repertuar.
Abstract: In this article, we have reviewed the history of ensembles
that include electric instruments and, in particular, the history of the
creation of the Talas ensemble, its composition and repertoire. Genres and
methods of playing in the modern musical world are revealed. Of
particular importance is aimed at the formation and study of methods of
playing the electric instrument bass dombra. And its irreplaceable role in
ethno-pop ensembles in the modern music of Kazakhstan.
Keywords: electrical instruments, ensemble, bass dombra, sound,
performer, repertoire.
Мир не только меняется, но и меняется тысячу раз. Это
динамичный век, который требует мобильности людей, постоян-
ного обучения, обновления и адаптации к непрерывным технологи-
ческим инновациям. Развитие современной радиотехники и радио-
электроники дает прекрасные возможности для создания новых
электрических устройств. Фактически, мы посчитали необходимым
искать конкретные научные исследования ансамблей, состоящих из
158
западных электрических инструментов, и осваивать их результаты.
Однако эти инструменты имеют почти столетнюю историю, а во-
вторых, из-за того, что у этих типов инструментов есть будущее, а не
использование профессиональных музыкантов, поэтому ряд
вопросов становится все более актуальным.
• Как привлечь внимание простых людей, адаптированных к
современной западной музыке?
• Какая музыка нравится широкой аудитории? Вопросы,
касающиеся репертуара.
• Как мы можем продвигать народную музыку среди молодежи?
Ансамбль «Талас» состоит в основном из выпускников 2006
года Казахской национальной консерватории им.Курмангазы. Свою
карьеру мы начали в студенческие годы в фольклорно-этно-
графическом оркестре «Отырар сазы» имени Н. Тлендиева при
Казахской государственной филармонии им. Жамбыла. Закончив
учебу, мы вместе решили создать ансамбль. Причина, по которой он
назван «Талас», заключается в том, что его легко произносить,
поэтому мы рассмотрели его подробно, чтобы сделать его удобным
на всех трех современных языках. Само значение казахского слова
Талас имеет несколько смыслов: название реки, имя человека,
действие означающее действие, в истории есть битва под названием
Талас, название района, морфология, словесный глагол, ветвь
единственного основного глагола, грамматическая группа глаголов,
главный корень глагола с точки зрения морфологического
строения, семантические особенности, лексическое значение
обычая, повелительное наклонение.
Выступать на одной сцене с другими ансамблями – это большая
заслуга артистов. 10 июня 2014 года в концертном зале Казахской
государственной филармонии им. Жамбыла прошел наш первый
сольный концерт, и это стало для нас большим достижением. До
открытия мы пожелали получить благословение от таких народных
артистов Республики Казахстан как Н. Нусупжанов (родился в 1937
году в Алматинской области), он исполнил народную песню
«Алконыр» и «Оз елим» Н.Тлендиева, А.Коразбаев (родился в 1948
году в Жамбылской области). Открыл концерт композитор и певец
А.Коразбаев песней Жамбыла «Угай ай» и своей песней «Караша каз
кайдасын» в сопровождении ансамбля. Далее, работая в государ-
ственных оркестрах и ансамблях, мы отобрали казахские народные
песни и кюи, произведения советских композиторов и зарубежных
авторов и определили направление коллектива. В частности,
наиболее актуальным стал репертуар современных произведений.
На концерте прозвучали произведения: «Элегия» Ж.Темиргалиева,
написанные им для Н.Тлендиева и его произведение «Жылкышы»,
159
К.Толена «Балауса», «Коне кала Бытыгай», Н.Аширова
«Балдыргандар», «Жыркисса», «550 лет Казахскому ханству»,
«Экспромт», «Ак кеме», З.Жиро «Под небом Парижа», А.Пьяццолла
«Либертанго», «Эскуала», «Фуга и Мистерио», Д.Шостакович
«Вальс№2», Румынская народная мелодия «Пастух», Китайские
песни и произведения «Юланда», «ТанТэ», «Молихуа», Корейский
«Арриран», Узбекский «Ракс». Наряду с инструментами были
созданы новые стильные сценические модные образы, внесшие
современные изменения в одежду национального колорита.
Инструментальный состав артистов ансамбля:
1. Художественный руководитель и дирижер ансамбля,
заслуженный деятель РК Н.Аширов.
2. Сыбызгы, саз сырнай, шан кобыз - Г.Смагулова.
3. Баян– М.Конысбеков, Н.Сауыт.
4. Домбыра – Б.Алиев, С.Шонбаев, А.Шнаров, Т.Нургали.
5. Домбыра прима – Е.Скаков.
6. Шертер – Б.Бейсенбай. С.Пердебекулы.
7. Бас домбыра– А.Джумабаев, Д.Бекжанов.
8. Контрабас домбыра – К.Төлебаев.
9. Ударные инструменты – О.Ибраимов, Ш.Исаев.
10. Ударные инструменты – О.Ибраимов, Ш.Исаев.
11. Кобыз прима – А.Аяпова, Ә.Мухалиева.
12. Кыл қобыз – М.Манасбаева. С.Ибрагимова.
13. Бас кобыз – А.Нусупова.
14. Контрабас – Е.Әмзе.
160
По мере роста исполнительского мастерства ансамбль свобод-
но исполняет классические произведения казахстанских, русских и
западноевропейских композиторов. Чтобы инициатива процветала
и превратилась в один из центров искусства, ансамбль должен быть
объединен в одну организацию. Всем известно для того, чтобы но-
вый молодой состав стал узнаваемым для населения, нужны сред-
ства. Ансамбль был создан недавно, и не зарегистрирован как
государственный коллектив. Но несмотря на это, этно-поп фоль-
клорный ансамбль «Талас» начал гастролировать со столицы Казах-
стана города Нурсултан и в других областях, в соседние страны как
Россия, Кыргызстан, Узбекистан, а также в честь Дней культуры
нашей страны, ансамбль демонстрировал свое искусство на больших
сценах столиц Австрии, Словении, Франции, Германии, Венгрии,
Чехии, Испании, Китая, США. Соответственно с названием ансамбля
«этно-поп» стоит вопрос о том, что нужно создавать новые и краси-
вые электроинструменты. Отсюда вывод, что с помощью этих
инструментов современной молодежи пропагандируется наша
национальная культура, в том числе оркестровые инструменты.
Бытует мнение, что XX век – это период электромузыки. Электри-
ческие инструменты – это музыкальные инструменты, которые
используют различные электронные схемы для генерации и синтеза
звука. Такие приборы дают большую возможность контролировать
громкость (громкость звука), чистоту звука, издаваемого исполни-
телем, а также длительность звучания и изменять его. Это изобре-
тение стало беспрецедентным открытием в мире музыки, которое
вызвало интерес многих талантливых инженеров и привлекло их к
работе над дальнейшим развитием. При этом приборы делятся на
два типа: электронные и электромеханические.
1) На электромеханических музыкальных инструментах звук
выходит механическим путем (ручной стук или выход с помощью
161
затвора), после чего проходит через электросигнализатор. Напри-
мер, в случае стука струн на электричестве возникает тон, но не
используется другой звук гитары. Вибрация струны (струна колеба-
ния) может существенно отличаться от исходного тембра звука при
воспроизведении звука, а затем обработке полученного сигнала
различными эффектами.
2) К электронным музыкальным инструментам относятся раз-
личные концертные и студийные музыкальные синтезаторы. В
настоящее время электрические музыкальные инструменты широ-
ко используются в современном музыкальном направлении. Разра-
ботка новых и сложных музыкальных инструментов является очень
активной и междисциплинарной областью исследований в России и
странах Запада. Речь идет о том, что после пятидесятых годов
прошлого века было создано совместное концертно-гастрольное
учреждение «Казахконцерт». В 1962 году под руководством народ-
ной артистки СССР, Р. Баглановой (1922-2011) был создан ансамбль
народных инструментов «САМАЛ». Впоследствии руководил
заслуженный артист РК Рахим Тажибаев (1946-2011). В 1970 году
ансамбль «Балбыраун» народного артиста РК Магауии Хамзина
(1927-2000). В 1972 году «Серпер», в 1976 году «Жалын», в 1979 году
«Арай» народной артистки РК Р. Рымбаевой (1957 года рождения),
сначала народные инструменты,затем эстрадные, в 1980 году
«Назерке» М.Жунусовой (1963 года рождения), в 1982 году
«Алматы», в 1986 году «Жазира» Н.Нусупжанова, А. Ескалиева (1934-
2018), в 1987 году «Перне», в 1987 году Народный артист РК С.
Тыныштыгулова (1942 года рождения) «Рауан», в 1993 году был
создан народный ансамбль народных инструментов и вокальных
инструментов «Даурен» народной героини Р.Баглановой [1].
Конечно, лидером группы стал ансамбль «Дос-Мукасан», кото-
рый в 1968 году состоял из студентов Алма-Атинского политехни-
ческого института, руководителем которого был Д.Сулеев,
впоследствии М.Кусаинов [1]. Ансамбль народных инструментов
«Әлқисса» был создан в 2002 году и провел свой первый концерт на
сцене Казахконцерта в марте 2003 года. Тогда в составе ансамбля
казахских народных инструментов были такие инструменты как
домбыра, кобыз, флейта, сырнай и контрабас домбра, но не было бас
домбры. Почему, потому что, как было показано выше, когда
ансамбль исполняет кюи, в басовой домбре отсутствует звук «D»
большой октавы, а в самой толстой струне звук остается в тени
громких инструментов. И именно поэтому мы предполагаем, что
контрабас должен быть в составе, чтобы дать фундаментальную
нижнию постановку звука.
162
На сегодняшний день среди ансамблей только в ансамблье
«Сарыарка», созданный в 1998 году в столице нашей страны, городе
Нурсултан, используется инструмент контрабас. Чтобы восполнить
этот пробел, нами совместно с мастерами был осуществлен
экспериментальный опыт установки современных электрических
пьезоустановок на бас шертере. Инструмент, используемый в
казахских оркестровых ансамблях, его электро-версия несколько
лет назад обычно использовалась в современной музыке (джаз,
блюз и популярные жанры, такие как рок, поп, кантри).
Возникает вопрос, откуда взялось это обновление, что такое
рок? Также может возникнуть вопрос, в чем заключается его
социальное значение. В пятидесятые годы прошлого века в Америке
родился знаменитый рок-н-ролл. Это новый танец, обновленный
музыкальный стиль. Он был разделен на различные фольклорные,
блюзовые, пан-рок. А в семидесятые, восьмидесятые годы компози-
торы Казахстана также отреагировали на эту тенденцию. Ритми-
ческие системы песен Н.Тлендиева «Алатау», Ш.Калдаякова «Бакыт
кушагында» написаны в жанре джаза. Вокальный ансамбль
национального рока «Дос-Мукасан» на казахской земле потряс
Европу рок-композицией «Бетбак дала», написанной в 1972 году
Муратом Кусаиновым (родился в 1948 году в Кордайском районе
Жамбылской области) [2, 112]. Это лейтмотив «Бетпак Дала», как
следует из названия произведения, жаждущего свободы степи,
независимости, освобождения от гнета и т.д. Напряженное соло
гитары, магический тон органа, страшный грохот барабана,
человеческий голос, удивительный гул характерный для степей, все
это в одном созвучии, влекущие за собой образ пустыни. От одной
мысли, понять жизнь «бетпак» степи и прочувствовать ее сердцем
свойственно только представителю кочевого народа. Еще раз хотим
сказать, что это профессионально созданная рок-композиция, пер-
вое произведение, родившееся в нашей стране. Композитор Толеген
Мухаметжанов (родился в 1948 году в Восточно-Казахстанской
области) в 1976-78 годах написал казахскую первую рок-оперу
«Жеруйык». После шести месяцев репетиций премьеру на сцене
Дворца Республики поставил ансамбль Дос-Мукасан. Либретто
К.Мырзалиева [2, 114, 115]. В конце семидесятых годов в Алматы
вокально-инструментальная группа «Арай» и фольклорный ан-
самбль «Мурагер» исполнили кюй Таттимбета «Саржайлау» в жанре
рока. Здесь выделяются созвучные звуки электрогитары с звуча-
нием домбры [3, 50]. Конечно, интерес к такой электрической
системе начался с бас-гитары. С мыслью о том, почему наш инстру-
мент не дает такого звукового диапазона, была рассмотрена история
создания бас-гитары. В 1951 году американский изобретатель и
163
предприниматель Лео Фендер, основатель фирмы «Фендер»,
выпустил бас-гитару «Precision Bass» (Fender Precision Bass). Этот
инструмент быстро завоевал популярность. Идеи, заложенные в его
конструкцию, стали настоящим стандартом для производителей
бас-гитары, а слово «бас-фендер» давно стало синонимом бас-гитары.
В основе изготовления нашего инструмента, есть два способа, но в
связи с современными технологиями, по согласованию с мастерами
был разработан экспериментальный вариант и введен в эксплуа-
тацию современный электрический бас домбра. В настоящее время
его используют фольклорно-этнографический ансамбль «Сазген
сазы» (бас домбрист Н.Шынтемиров), этно-поп фольклорный
ансамбль «ТАЛАС» (бас домбрист А.Жумабаев). Инструмент
считается акустическим, если говорить о том, что голос баса зависит
от акустической структуры его кузовных элементов. А если звук
идет через электронные или электромеханические компоненты, то
мы говорим, что это электрическая басовая домбра. Звук прибора
меняет свой тембр с помощью усилительного оборудования.
Если на основе баса правильно сформировать два компонента,
то инструмент классифицируется как полуакустический. Это тоже
современное инновационное начало. В начале восьмидесятых годов
прошлого века современный электроинструмент впервые был
построен выпускником Казахской национальной консерватории им.
Курмангазы специалистом главного домбрового инструмента, кава-
лером ордена Почета Нурланом Абдрахмановым. При исполнении
«Бозынгена» Т.Момбекова видно, что Н.Абдрахманов играет на
электрической домбре (Дирижер Н.Тлендиев). Так, в басовом
шертере среди множества различных произведений встречается
отдельное соло. Например: аргентинский композитор А.Piazzolla
(1921-1992). В произведении Fuga & Misterio мелодия в исполнении
этно-фольклорного ансамбля «Талас» звучит на бас шертере.
Обработка – Н.Аширова.
164
Это лишь краткая история электроприборов в целом,
рассмотрены ее виды и условия применения. Конечно, если изучать
эту тему углубленно, то многое еще предстоит выяснить. В
заключение, на примере этого инструмента, история которого
близка к восьмидесяти пяти годам, можно улучшить мелодию,
вырастив технику игры на инструменте, используя методы
сравнительно-типологических, историко-сравнительных и
системно-акустических методов электрической басовой домбры.
Это позволяет максимально полно использовать мастерство при
написании партии бас домбры в ансамбле с учетом всех достижений.
Музыкальные звуки и мелодии воспроизводятся не только
природными инструментами, но и их современными электронными
версиями.
Список литературы:
1. Қоразбаев А. Сәдуақасова Ә. Өнер әлеміндегі Қазақконцерт.
Астана, Медиа Пресс; Алматы, 2010.
2. Күмісбайұлы Ш. Қазақтың әнін әлемге асқақтатқан Дос
Мұқасан. Алматы. Өнер; 2007, 173б.
3. Айтуарова А. Народные традиции в массовой музыке
Казахстана (на примере творчества Н.Тлендиева) Диссертация,
Алма-Ата, 1992.
4. https://ru.wikipedia.org/wiki/Fender_Jazz_Bass
165
Продвижение ансамблевого исполнительства
в проектах музея Мухтара Ашрафи
Гунова Наталия
Директор дома музея Мухтара Ашрафи
Узбекистан, Ташкент
Аннотация: В статье показаны особенности национального
ансамблевого исполнительского мастерства, эстетического воспи-
тания на примере пропаганды ансамблевого музицирования;
специфика музыкально-просветительской работы в условиях панде-
мии; необходимость инновационных подходов; цифровизация му-
зейного процесса; важность активизации международного сотруд-
ничества; трансформация академического ансамблевого исполне-
ния.
Ключевые слова: фотографии, музыкальные инструменты,
грампластинки, онлайн-концерты, оцифрованные материалы,
исторический костюм, виртуальная выставка.
Annotatsiya: Milliy ansamblning ijro mahoratining xususiyatlari,
estetik tarbiya ansamblning musiqa ijro etishini targ‘ib qilish, pandemiya
sharoitida musiqiy-ma’rifiy ishlarning o‘ziga xos xususiyatlari,
innovatsion yondashuvlar zarurati, muzey jarayonini raqamlashtirish,
xalqaro hamkorlikni rivojlantirishning ahamiyati misolida namoyish
etiladi, akademik ansamblning ishlashini o‘zgartirish.
Kalit so‘zlar: fotosuratlar, musiqiy asboblar, grammofon yozuvlari,
onlayn konsertlar, raqamli materiallar, tarixiy kostyum, virtual
ko‘rgazma.
Abstract: The features of national ensemble performing skills,
aesthetic education are shown on the example of promoting ensemble
playing music; the specifics of musical and educational work in a
pandemic; the need for innovative approaches; digitalization of the
museum process; the importance of enhancing international cooperation;
transformation of academic ensemble performance.
Keywords: photography, musical instruments, gramophone records,
online concerts, digitized materials, historical costume, virtual exhibition.
Известно, что Мухтар Ашрафи внес определенный, неоцени-
мый вклад в деятельность окружного военного ансамбля песни и
пляски, народных инструментов государственной филармонии,
балетного ансамбля столичного театра, ансамблей макомистов и
166
народных инструментов Ташкентской государственной консер-
ватории, ансамбля скрипачей средней музыкальной школы имени
В.Успенского, ряда других.
Надо признать, что Мухтар Ашрафи, занимая высшие посты в
национальной музыкальной иерархии, всячески поддерживал
теоретические изыскания узбекистанских авторов, посвященных
манерам игры и техническим особенностям, присущим различным
известным камерно-инструментальным ансамблям.
Дом-музей исходит из того, что пропаганда ансамблевого
исполнительства – часть эстетического воспитания подрастающего
поколения. Коллектив музея совместно с другими партнерами
решает такие задачи, как: проследить основные этапы развития
ансамблевого жанра в Узбекистане; выявить причины, способ-
ствовавшие возросшей популярности подобного исполнительства в
XX столетии; проанализировать специфику использования
композиционных идей в современных произведениях для ансамбля;
определить актуальные задачи музея в их продвижении.
В музейном фонде хранятся различные тексты и фотографии
прославленных и малоизвестных ансамблей Узбекистана ХХ века.
Артисты появляются на фотоснимках в общей группе и в опре-
деленных фрагментах, исполняя конкретные роли. Музыкальной
канвой большинства фотоснимков являются лучшие образцы
узбекской музыки. В целом, редкие фотографии – это важная часть
нашей, отечественной культуры и мы продолжаем плановую работу
по внесению всего фотобогатства в электронный Государственный
каталог. Одновременно ведется работа по интерактивному
«оживлению» музейного фотофонда.
Есть в коллекции музея – музыкальные инструменты, среди
которых – редкие коллекционные и современные, рабочие и парад-
ные. Они принадлежали Мухтару Ашрафи или же были подарены
ему. Известно, что классический узбекский народный ансамбль
начала ХХ века состоял из немногих инструментов. Затем к ним
прибавились европейские. В уличный ансамбль, сопровождающий
различные массовые праздники узбекского народа, кроме сурная,
входила длинная труба «карнай» и парные литавры «нагора». В
фондах нашего музея есть немало «жемчужин». К ним можно
отнести один из древнейших музыкальных инструментов Востока
под названием «сурнай». Он широко распространен на Кавказе, в
Средней Азии, на Ближнем Востоке. Сейчас сурнай демонстрируется
в витрине постоянно действующей экспозиции.
Дойра – другой самый распространенный инструмент Средней
Азии, особенно в Узбекистане. Это объясняется тем, что в народной
музыке нашей страны очень важна роль ритма. В сопровождении
167
дойры исполняют танцы, поют, без неё не обходится ни один
инструментальный ансамбль или оркестр.
В коллекции афиш и программ, отражающих концертную,
театральную и образовательную жизнь Ташкента, Самарканда и
других городов Узбекистана, содержится немало раритетов. Наиболее
полно представлены разделы академической музыки 1930-1980-х
годов (в том числе гастроли), Второй мировой войны, всесоюзных
декад, юбилейных мероприятий и концертов музыкальных
коллективов союзных и автономных республик, а также музыкальной
жизни за рубежом, преимущественно в странах Востока.
Еще одна сфера пропаганды ансамблевого исполнительства –
грампластинки. Собранный за десятилетия работы альбом пласти-
нок музея М.Ашрафи с полным правом можно назвать уникальным.
Часто одно и то же произведение исполняется в разных обработках,
в сопровождении различных по составу инструментальных
ансамблей. Благодаря этому оно всякий раз приобретают особую
окраску, а иногда – и иной смысл.
Как и любой музыкальный музей наше учреждение разраба-
тывает ежегодный календарь памятных и знаменательных дат,
связанных с жизнью и творческой деятельностью Мухтара Ашрафи.
Здесь можно упомянуть и наше сотрудничество с военными
ансамблями округов Узбекистана. Музыканты представляют публи-
ке шоу на барабанах, а песни военных лет и марши в переложении
для ансамблей. При этом в программах звучит отечественная и
зарубежная музыка.
Пандемия расширила практику проведения онлайн-концертов.
Так, неоднократно совместно со своими партнерами для посети-
телей проводились концертные программы с участием известных
артистов- солистов ГАБТа имени Алишера Навои, артистов частных
теле- и радиостудий. При этом ансамблевые импровизации объе-
диняли звучание узбекских народных инструментов с тембрами
симфонической музыки.
Исполнение на онлайн-концертах все больше и больше отли-
чается синкретичностью, единством пения и пластики. Ритми-
ческую основу музыки создает игра на демонстрируемых зрителю
инструментах. Характерная для музыки импровизационность
особенно ярко и непринужденно проявляется в выступлениях
солистов. Мелодии индийского, египетского, индонезийского,
татарского народов представлены ансамблем музыкальных инстру-
ментов. В его исполнении можно услышать звучание ситара,
индийской гармоники и табла. Поднимая настроение посетителям
на мониторах демонстрируются музыкальные видеофильмы.
168
Пополняется архивная коллекция видеороликов. Возглавля-
вшиеся М.А. Ашрафи коллективы, в свое время были одними из
лучших в нашей стране. Их выступления сопровождались неизмен-
ными аншлагами в ведущих концертных залах по всему миру.
Благодаря многогранной деятельности Мухтара Ашрафи отече-
ственное музыкальное искусство было и остаётся на недосягаемом
уровне. Это находит свое отражение в оцифрованных материалах
(оцифровка осуществляется при содействии Национального архива
кинофотофонодокументов).
Подготовка к проведению виртуальных выставок, доступных в
любой точке Узбекистана и всего мира находится в стадии разра-
ботки. Такие проекты предполагают знакомство с сюжетами и
встречу в виртуальном формате с героями произведений Мухтара
Ашрафи, что дает возможность прикоснуться к уникальным аудио-
и видеозаписям, исполнениям ансамблевых сочинений. Такие
мероприятия адресованы самой широкой аудитории – знатокам
музыкальной культуры и тем, кто только входит в мир современной
академической музыки.
В наших планах – проекты исполнения ансамблевой музыки в
исторических костюмах. Атмосфера раритетности, которую соз-
дадут участники акции, одетые в костюмы прошлых столетий,
старинные музыкальные инструменты и сочинения композиторов –
возможность перенестись в ушедшие времена.
Надо признать, что Мухтар Ашрафи в целом позитивно
оценивал переход ансамблевого исполнения из области академи-
ческой музыки в некоторые другие: в частности, в узбекской
эстрадной музыке начала 1970-х годов стал широко распро-
страняться термин ВИА (вокально-инструментальный ансамбль).
Какие задачи решает музей сегодня? Это применение еще
больше инновационных подходов в пропаганде исполнителей и
композиторов в области ансамбля; привитие вкуса к моно-
тембровому или темброво-однородному составу исполнителей;
популяризация произведений молодых композиторов и испол-
нителей; распространение существующего исполнительского
опыта, лучших традиций музыкантов, играющих в ансамблях.
В ходе своей работы мы все больше убеждаемся, что приме-
нение выбранного музеем комплекса инноваций оказывает пози-
тивное влияние на развитие музыкального мышления молодежи.
Постоянные посетители проявляют способности к самостоя-
тельному творчеству, созданию новых, оригинальных объектов.
Понятно, что заниматься продвижением ансамблевого
музицирования нужно не фрагментарно, а систематически, начиная
с первого прихода посетителей в музей, что обеспечит полноту и
169
преемственность в приобретении ансамблевых умений и навыков.
Надо использовать опыт самых передовых музеев мира в прове-
дении различных творческих мероприятий – конкурсов, темати-
ческих музыкальных вечеров, просветительских концертов за
пределами музея, шире применять Интернет. Подобная образова-
тельная деятельность должна приносить радость, будить фантазию,
интерес и любознательность. А в случае музыкального слуха и ода-
ренности посетителя – послужить важной составляющей в его
предпрофессиональной подготовке.
В заключении необходимо отметить, что деятельность Мухта-
ра Ашрафи, других выдающихся узбекских композиторов, дириже-
ров, музыковедов, исполнителей вывела ансамбль на одно из
ведущих мест среди концертных жанров Узбекистана. Притягатель-
ность феномена ансамбля состоит в его демократичности, базиру-
ющейся, с одной стороны, на проекции национальных традиций на
современность, с другой – на освоении новейших способов
организации звукового пространства. Последнее столетие
предуготовило обладающему почти безграничными возмож-
ностями ансамблевому жанру занять лидирующие позиции в сфере
камерного инструментализма и концертного исполнительства.
Список литературы:
1. Muxtor Ashrafiy va XXI asr. – Т.: Baktria press, 2012. – 120 с.
170
Фортепианное ансамблевое искусство
Адибы Шариповой
Нурматова Камола
Государственная консерватория Узбекистана
Узбекистан, Ташкент
Аннотация: В статье рассматривается важнейшая сфера твор-
ческой деятельности всемирно известной узбекской пианистки Адибы
Шариповой. На основе изучения фортепианных дуэтов, входящих в её
репертуар и бесед автора данной статьи с Шариповой, обобщаются
художественные принципы её ансамблевого исполнительства.
Ключевые слова: фортепианный ансамбль; дуэт; партнер;
музицирование; композитор; творческие принципы; фестиваль.
Аnnotatsiya: Maqolada dunyoga mashhur o‘zbek pianisti Adiba
Sharipova ijodiy faoliyatining eng muhim sohasi ko‘rib chiqilgan. Uning
repertuariga kiritilgan fortepiano duetlari hamda maqola muallifining
Sharipova bilan o‘tkazgan suhbatlarini o‘rganish asosida uning ansambl
ijrosidagi muhim badiiy tamoyillar umumlashtirilgan.
Kalit so‘zlar: fortepiano ansambli; duet; sherik; musiqa ijro etish;
kompozitor; ijodiy tamoyillar; festival.
Аnnotation: The article examines the most important sphere of creative
activity of the world famous Uzbek pianist Adiba Sharipova. Based on the study
of piano duets included in her repertoire and conversations between the
author of this article and Sharipova, the artistic principles of her ensemble
performance are generalized.
Keywords: piano ensemble; duet; partner; playing music; composer;
creative principles; the festival.
Адиба Шарипова – Заслуженная артистка Узбекистана, профессор
кафедры специальное фортепиано Государственной консерватории
Узбекистана, лауреат премии «Офарин» и просто уникальная пианист-
ка, которая энергично ищет новые перспективы развития музыкаль-
ного исполнительского искусства. Коллеги знают её как оригинальную,
креативную, неукротимую, очень востребованную личность с крити-
ческим умом и темпераментным характером. Она пример того, что
истинный человек искусства проявляет своё творческое начало во всем.
Характеризуя многогранность направлений творческой деятельности
Шариповой, Заслуженный деятель искусств Узбекистана и Каракалпак-
стана, лауреат Государственной премии, музыковед Отаназар Матяку-
бов отметил: «И то, что Адиба-пианистка, представитель самой распро-
страненной музыкальной профессии во всех её амплуа: концертный и
камерный исполнитель, концертмейстер и педагог, просветитель и
организатор, готовый на риск, но не на авантюру – подтверждает ее
право быть олицетворением этой модели» [1, с. 211] .
171
Среди отраслей творческой деятельности пианистки особого
внимания требует ансамблевое исполнительство, в частности,
фортепианный дуэт. Интерес Шариповой к ансамблевому испол-
нительству ярко проявился в годы учебы в Московской Государ-
ственной консерватории имени П. Чайковского. «Когда я училась в
Москве, в Московской консерватории, – рассказала Адиба Рауфовна в
беседе с автором настоящей статьи, – там было очень интенсивное
развитие ансамблевой практики. Многие выдающиеся, талантливые
студенты демонстрировали своё исполнительское искусство. И, когда я
возвратилась после учебы в Ташкент, то увидела, что многие играют
здесь, как бы «музицируя». И тогда я поняла, что мне надо утвердится».
Для реализации данной идеи пианистка для начала поставила
цель найти партнера, который бы мог справиться с техническими
трудностями сложных сочинений ансамблевого фортепианного
репертуара. Именно таким единомышленником оказалась выпускница
Московской консерватории Лариса Абдукаюмова. Они начали свою
исполнительскую практику с произведения Эммануэля Шабрие
«Испания».
Для лучшего раскрытия ансамблевой деятельности Шарипова
поставила задачу создания репертуара и первым же делом обратилась к
узбекским композиторам, в частности, Румилю Вильданову. «Меня
поразило насколько талантливы наши композиторы. Я обратилась к
нему с просьбой написать, что-то для фортепианного дуэта» – сказала
Адиба Шарипова в беседе с автором статьи. По словам пианистки
Вильданов буквально через неделю предоставил ей произведение под
названием «Праздничная».
Пьеса имеет ярко выраженный танцевальный характер. Элементы
джазовых ритмов трансформируются в ней на основе активного
тематического развития. Данное эффектно-концертное произведение
Шарипова с удовольствием исполняла с разными партнерами в
программах Международных музыкальных форумов и фестивалей.
Произведение Вильданова является жемчужиной концертных
программ, посвященных ансамблевой музыке. Профессор Адиба
Шарипова очень часто исполняет данное сочинение в ансамбле со своей
ученицей Людмилой Латыповой.
Творческие инициативы пианистки всегда интересны и приводят
к оригинальным проектам. Увидев в телевизионной программе
выступление эстрадно-джазового инструментального ансамбля под
управлением Раймонда Паулса, Шарипова задумала организовать такое
же представление в Ташкенте, но что бы оно было более зажигательное
и броское. Адиба Рауфовна на высшем уровне реализовала задуманную
идею с композитором Эдуардом Каландаровым, создав аналогичную
инструментально-ансамблевую композицию в джазовой манере на его
тему.
В 2001 году Адиба Рауфовна участвовала в Международной науч-
ной конференции «Фортепианный ансамбль: композиция, исполни-
172
тельство, педагогика» в Санкт-Петербурге, где познакомилась со мно-
гими мастерами мирового музыкального искусства. «Особенно поразил
меня дуэт Норы Новик и Раффика Хароджаняна, – сказала Адиба
Рауфовна, – в этом ансамбле меня покорили высокая культура взаимо-
отношения партнеров и глубоко продуманный подход к интерпретации
музыки» – выражалась в беседе автору статьи Шарипова.
В 2011 году в музыкальном мире доминировала такая влия-
тельная личность как Ференц Лист – со дня рождения ему исполнилось
200 лет. В Государственной консерватории Узбекистана состоялся
фестиваль – «Золотой Музыкальный ЛИСТопад». Один из вечеров был
посвящен произведениям Листа для двух фортепиано в исполнении
профессоров Адибы Шариповой и Наргиз Полатхановой. Программу
составляли сложнейшие, виртуозные транскрипции и парафразы –
Воспоминание о «Дон-Жуане» (В.Ф.Моцарт – Ф.Лист); Фантазия на темы
из «Афинских развалин» (Л. В. Бетховен – Ф.Лист); Воспоминание об
опере «Норма» (В.Беллини – Ф.Лист). На основе музыки популярных
оперных произведений и театральной музыки великий композитор
создал монументальное ансамблевое полотно, впечатляющее своими
грандиозными масштабами, обилием октав, глиссандо, многозвучных
аккордов, жемчужных пассажей. Пианистки блистательно исполнили
сочинения, которые произвели неизгладимое впечатление на
слушателей. Особому восприятию исполняемой музыки способствовало
панно в глубине сцены Большого зала консерватории с изображением
падающих листьев, что было идеей Адибы Рауфовны. «Наш ансамбль с
Наргиз Шамильевной, – сказала Шарипова автору статьи, – сложился
очень органично, чему способствовало «вокальное» интонирование на
фортепиано Полатхановой. Поскольку Наргиз Шамильевна выросла и
сформировалась как личность в семье замечательной певицы и
педагога консерватории профессора Мукаддас Нишановны Рызаевой,
она с особой чуткостью передавала специфику вокальной речи инстру-
ментальными красками».
Слово «выступление», наверное, не соответствует выходам на
сцену Адибы Рауфовны, для нее характерны «представления», где мы
видим итог её креативного мышления. Приводя в качестве примеров
часть проектов с участием Шариповой мы можем тот факт, что в
Узбекистане ансамблевое исполнительское искусство развивается по
всем руслам и имеет фундаментальную основу для дальнейшего,
прогрессивного расширения горизонтов, заслугой чего является
творческая деятельность Адибы Шариповой.
Адиба Шарипова синтезируя современные традиции очень
плодотворно работает с ансамблями узбекских народных инструментов
«Согдиана», под управлением Фирузы Абдурахимовой, с ансамблем
«Omnibus» и другие. Она интенсивно участвует в концертах, обогащая
фортепианные ансамбли с разными инструментальными составами.
«Надо отметить, что прием обогащения фортепианного ансамбля
новыми тембрами – одна из характерных тенденций развития жанра на
современном этапе» [2, с. 17].
173
В этой «счастливой ноте» есть и другая сторона монеты –
отрицательная. В ходе беседы автора с профессором были отмечены
некоторые проблемы в освоении масштабных фортепианно-
ансамблевых программ в современной исполнительской практике. В
наше время интенсивное развитие информационных технологий
обуславливает иное понимание дуэтного ансамбля, который, к
сожалению, утрачивает свою актуальность. Для утверждения себя в
современной исполнительской культуре – считает Шарипова, артист
должен обладать умением «изобретательности», воображая новые
оригинальные приемы поддачи сочинения, заинтересовывая тем
самым публику. «Однако преодоление этих сложностей оттачивает слух,
мобилизует внимание и заставляет работать фантазию в поисках
красок и наилучшей «оркестровке» произведения.» [3, с. 23]
Таким образом, к основным принципам игры фортепианно-
ансамблевых произведений Адибы Шариповой относятся:
• Зрелищность – олицетворение заложенной в названии произ-
ведений программы способом иллюстративности;
• Театрализация – продуманная драматургия, актерская игра в
плане показа общей концепции выступления;
• Креативное оформление всего выступления;
• Высший философский уровень исполнения – как утверждает
Адиба Шарипова – «Исполнитель должен быть не только ярким,
индивидуальным, но и фундаментальным».
«Качественное обновление жанра фортепианного ансамбля в ХХI
веке произошло под влиянием ряда факторов, в числе которых
наиболее значимыми следует назвать расцвет эстрадного искусства,
важной роли театрального искусства, тотального проникновения в
жизнь человека телевидения и интернета» [4,с.16]. Адиба Шарипова
показала нам пример того, как можно применять современные
тенденции в классической, академической музыкальной культуре.
Адиба Шарипова является генератором творческих идей,
замыслов, воплощаемых в грандиозные проекты. Значимым дости-
жением её инициатив стал Форум-фестиваль «Continent FA», посвя-
щенный инструментальному ансамблевому исполнительству. Не
останавливаясь на достигнутом, Шарипова находится сегодня в
неустанном поиске на пути к новым вершинам музыкального искусства.
Список литературы:
1. Матякубов О. Додекаграмма. – Т., 2005. – 327 с.
2. Закирова В. Фортепианный ансамбль как современная форма
концертного музицирования. // Сборник статьей по материалам
Республиканской научно-практической конференции «Дом вдали от
дома: развитие фортепианного ансамбля в прошлом и настоящем». – Т.,
2018. – С. 14-17.
3. Самойлович Т. Некоторые методические вопросы работы в
классе фортепианного ансамбля. – Л., 1986. – С. 21-31
174
Klarnet va fortepiano uchun yozilgan asarlarda
jo‘rnavozlik mahoratining ahamiyati
Sabitova Nilufar
O‘zbekiston Respublikasi Milliy gvardiyasi
Respublika ixtisoslashtirilgan musiqa akademik litsey
O‘zbekiston, Toshkent
Annotatsiya: Maqola klarnet va fortepiano uchun yozilgan asarlar
ustida ishlash jarayonida ansambl muammolarini o‘rganish masalalariga
bag‘ishlangan. Muallif ansambl ijrochiligi san’atini o‘rgatish usullarini
o‘rganib chiqib yoritadi va ijro etishning bir qator muammoli masalalariga
to‘xtaladi.
Kalit so‘zlar: klarnet, fortepiano, duet, jo‘rlik, jo‘rnavozlik, mahorat
Аннотация: Статья посвящена исследованию ансамблевых задач
в процессе работы над произведениями, написанными для кларнета и
фортепиано. Автор исследует и анализирует способы обучения
искусству ансамблевого исполнительства и решает ряд проблемных
задач.
Ключевые слова: кларнет, фортепиано, дуэт, аккомпанемент,
ансамбль, мастерство.
Abstract: The article is devoted to the study of ensemble tasks in the
process of working on works written for clarinet and piano. The author
investigates and analyzes ways of teaching the art of ensemble performance
and solves a number of problematic problems.
Keywords: clarinet, piano, duet, accompaniment, ensemble, mastery.
Jahon klassik musiqasi boy tarixga ega bo‘lganligi sabab o‘ta serqir-
radir. Har bir davr, har bir mamlakat va milliy ijrochilik maktabi cholg‘uchi-
dan musiqa tarixidan chuqur bilimlar sohibi bo‘lishni talab etadi. Zamon
o‘zgarishi bilan, ham kompozitorlarning, ham ijrochilarning mahorat dara-
jasi osha borgan. Bu holat musiqiy asarlarning tobora murakkablashishiga,
musiqiy tilning ifodaviy unsurlarga boyishiga olib kelgan. Shuning uchun
yakkaxon hamda jo‘rnavoz oldiga qo‘yiladigan ritmik aniqlik, musiqiy qat-
lamning ravonligi, nafas bilan ishlash, pedallashtirish texnikasining tiniqligi,
garmoniya almashuvining go‘zal rang-barangligini tom ma'noda aks ettira
olish singari umumiy talablardan tashqari, musiqiy asarlarning davriy-uslu-
biy, hamda u yohud bu milliy maktab namoyondaviyligi tasnifiga ko‘ra, har
birining ifodaviylik qirralarini aniq belgilab olgan holda ular ustida ish olib
bormoq lozim.
Klarnet cholg‘usi XVIII asrning ikkinchi yarmidan musiqa sahnalarida
yangray boshlagan. Ammo deyarli bir asr, ya’ni paydo bo‘lish davridan
175
boshlab to 1780-1790-yillarga qadar, ko‘pgina orkestrlarda klarnet ijrochi-
lari umuman faoliyat yuritmagan [1, 86 b]. Vaziyatni o‘zgartirish maqsadida
XVIII asrning 100 ga yaqin kompozitorlari klarnet va orkestr uchun konsert
yaratishni boshlaydilar. Ularning ichida Iogann va uning o‘g‘li Karl Stamitslar,
Frans Ksaver Pokorni, Iogann Vanhal, Ernst Ayxner, Leopold Kojelux, Mihael
Gaydn, Frans Anton Hofmayster, Ignats Pleyel ijodiyoti alohida o‘rin tutadi
[2, 149 b].
O‘z zamonasining virtuoz klarnet ijrochilari ham o‘z konsert dastur-
larini boyitish niyatida bir qator asarlar bastalaydilar. Ulardan Iogann Genrih
Bakofen, Frans Taush, Yozef Ber, Jon Megon, Jan Lefevr, Mishel Yost kabilarni
sanab o‘tmoq mumkin. Mishel Yost klarnet ijrochiligining fransuz maktabi
asoschisi hisoblanadi. U klarnet va orkestr uchun 14 ta konsert yozgandir.
1770-yilda esa birinchi klarnet sonatasi yaratilgan. Uning muallifi – Italiya
kompozitori Gregorio Shiroli. [3]
1740-yillarning oxirida klarnet asbobi orkestr cholg‘usi sifatida o‘sha
davrning mashhur orkestrlaridan sanalmish Fransiyadagi Aleksandr La
Puplinyer orkestri jamoasida o‘z tarixini boshlaydi. Ushbu orkestrning eng
mohir klarnet ijrochilaridan biri bo‘lmish Gaspar Proksh musiqa tarixida
alohida nom qozongan. Ba’zi manbalarga ko‘ra, aynan Prokshga Iogann
Stamits o‘zining klarnet va orkestr uchun Si-bemol major konsertini
bag‘ishlagan. Iogann Stamits o‘z davrining yetuk musiqiy arbobi bo‘lib, 1754-
55-yillarda Aleksandr La Puplinyer orkestrini dirijyor sifatida boshqargan.
[4, 150 b]. Uning yuqorida aytib o‘tilgan konserti tarixda B klarnet uchun
yozilgan birinchi konsertdir.
XVIII asrda B klarnetning diapazoni 3 oktavadan oshgan (hozirgi kunda
4 oktavadan oshishi mumkin) va u «katta» klarnet deb atalgan. Stamits o‘z
konsertida ushbu klarnetda mavjud diapazonni to‘laqonli aks ettiradi.
Iogann Stamitsdan oldin ijod qilgan kompozitorlar, ushbu jumladan, Iogann
Melhior Molter, klarnet va orkestr uchun konsertlarni D klarnet uchun
yaratganlar. D klarnet B klarnetda mavjud faqat tepa registrni qo‘llaydi va
shuning uchun bugungi kunda «kichik» klarnet deb nomlanadi.
Klarnet uchun yaratilgan asarlar majmuasini yanada kengaytirish va
cholg‘uning musiqiy sahnalarda tutgan o‘rni va mavqeini ko‘tarishda Vena
klassisizm davrining yorqin namoyondasi Volfgang Amadey Mosartning
hissasi beqiyos.
Musiqashunoslarning taxminiga ko‘ra, Mosart klarnet cholg‘usi bilan
ilk bor 1764-yili Karl Fridrix Abelning simfoniyalaridan birini o‘rganayotgan
chog‘ida tanishgan. O‘z ijodiga esa u klarnetni birinchi marotaba 1771-yilda
yozgan KV113-sonli divertismentiga kiritadi. Keyinchalik esa 1773-yilda
yaratgan yana 2 ta divertismentida ham qo‘llaydi. Mosart ijodiyotidagi
klarnet uchun yozilgan asarlarning cho‘qqisi deb uning 1791-yilda bitilgan
klarnet va orkestr uchun KV622-sonli konserti sanaladi. Ushbu konsert
176
kompozitorning so‘nggi asari bo‘lib, dunyoning barcha musiqiy ta'lim
muassasalari va konsert zallarida o‘rganiladi va ijro etiladi. [5, 39-40 b]
Ma'lumki, XVIII asrning ko‘pgina kompozitorlari mohir klavesin
ijrochilari bo‘lgan. Buning natijasida orkestr partiturasini yaratishda ular
klavesinga xos xususiyatlarni beixtiyor aks ettirganlar. Misol tariqasida
klavesin cholg‘usiga xos dinamik qarama-qarshilik, ya'ni baland ovozda
tovush chiqarishga asta-sekinlik bilan emas, balki keskin o‘tish usulidan keng
foydalanish uslubini keltirmoq mumkin.
Orkestr jo‘rligiga xos bo‘yoqlarni klavirga yo‘qotishlarsiz ko‘chira olish
ham bir san’at. Partiturani klavir shakliga keltiruvchi kompozitorlar,
ijrochilar, muharrirlarning mehnat mahsuli ham mualliflar ijodi singari
jo‘rnavozlar tomonidan chuqur tadqiqot etiladi. Jo‘rnavoz klavir ustida ish
olib borgan barcha muharrirlarning ijod na'munalarini bilishi, ularni o‘zaro
qiyoslay olishi kerak. Muharririyatlarning barida o‘ziga xos ustunlik va
afzalliklar mavjud. Ularning xilma-xilligidan jo‘rnavoz dars yoki sahnaoldi
jarayoniga mos keluvchi klavirni tanlashi lozim.
Klarnet va orkestr uchun KV622-sonli konsertining orkestr partitu-
rasini klavir shakliga keltirgan muharrirlar sirasida Genri Kling hamda Klaus
Burmayster dunyo musiqa arboblari tomonidan yuksak baholanadi. Men
ham o‘z jo‘rnavozlik faoliyatimda Burmayster muharririyatini qo‘llayman.
Konsert, o‘z davri uchun an’anaga aylangan, 3 qismdan iborat. Uning I
qismida jo‘rnavoz Mosart ijodiga xos ijrochilik muammosiga duchor bo‘ladi.
Mosartning bu konsertida uning boshqa konsertlaridagi kabi birinchi qism
tantanavor va muhtasham kirish o‘rnida keladi. Muallif asarning orkestr jo‘r-
ligida aks ettirgan bayram shukuhini to‘laqonli ifoda etish uchun Burmayster
fortepiano jo‘rligini oktava va akkordlar tizmasi bilan boyitadi. Bunday
yo‘g‘on usulda ifoda etilgan jo‘rlik, odatda, og‘ir yangrash xususiyatiga ega.
Ammo Mosartning kompozitorlik uslubiga bu hodisa mutlaqo zid hisobla-
nadi. Mosart asarlarida musiqiy qatlam, qanday texnik unsurlardan tarkib
topganidan qat'iy nazar, doimo yengil, quvnoq va mayin tusda yangrashi dar-
kor. Ushbu uslubni yaqqol aks ettira olish uchun musiqiy fikrning kuychan-
ligiga, legato ning uzviysizligi va staccato ning yengilligiga alohida e'tibor
qaratish zarur.
Turkumning II qismi jahon musiqa durdonalari sirasiga kiradi. U ba'zi
konsert dasturlarida boshqa qismlardan ayri holda ham ijro etiladi. Qism
Adagio sur'atida yozilgan. U klarnet ijrochilari uchun nafas olish hamda dina-
mik unsurlarni tom ma’noda namoyish eta olish jihatidan o‘ta murakkab. Bu
yerda jumlalar uzun va ularning har biri yetarli darajada nafas bilan ta’minla-
nishi zarur. Jo‘rnavozning diqqati doimiy ravishda yakkaxonning nafas olish
texnikasida jamlangan bo‘lib, u bilan hamnafas va hamfikr bo‘lmog‘i lozim.
Dinamik qiyinchiliklar qismda past ovozda ijro etish bilan bog‘liq.
Klarnetda past ovozda ijro etishga harakat qilinganda ovozning yorqinligi,
rang-barangligini yo‘qotish xavfi mavjud. Bu hol esa turkumning eng go‘zal
177
va nafis qismida yuz bergan taqdirda, uning maftunkorligi ham g‘oyib bo‘ladi.
Klarnet cholg‘usida ijro etayotgan o‘quvchi hali yuksak mahoratga ega
bo‘lmasa, musiqiy serqirralikni ifoda etish jo‘rnavoz zimmasiga tushadi.
1-ilova. V. A. Mosart. Klarnet va orkestr uchun konsert, KV 622. I qism, klavir.
Yakunlovchi III qismda yakkaxon va jo‘rnavoz o‘rtasida ansambl
muammosi dolzarb masala sifatida yuzaga chiqadi. Qism Allegro sur'atida
yozilgan bo‘lib, virtuoz unsurlar ikkala partiyadan ham joy olgan. Ularni tez
sur’atda o‘zaro aniq va ravon tarzda mujassamlashtirish ijrochilardan
178
muntazam diqqat va rivojlangan texnik mahoratni talab etadi. Qismda
uchraydigan qiyinchiliklarga qaramay, musiqiy oqim juda tiniq, ravshan,
yengil, mayin va nafis bo‘lmog‘i kerak.
2-ilova. V. A. Mosart. Klarnet va orkestr uchun konsert, KV 622. II qism, klavir.
Romantizm davrida klarnet va klavir cholg‘ulari takomillashadi.
Klarnetning diapazoni kengayadi, ba'zi unsurlarni ijro etishga bo‘lgan
yondashuv o‘zgarib, ularni asbobda namoyon eta olish imkoniyatlari oshadi.
179
Klavir haqida gapirganda, ajdodlaridan farqli o‘laroq, crescendo va
diminuendo kabi dinamik o‘zgarishlarni namoyish etishga qodir
«fortepiano» nomini olgan yangi cholg‘u dunyo yuzini ko‘radi. Musiqiy
asarlarni endilikda dinamik erkinlik, pedal, tembr xilma-xilligi singari ifoda
usullari bezaydi. Natijada romantizm davri kompozitorlarining ijod
na'munalarida musiqiy qatlam yangi rang-barang bo‘yoqlarda tovlanadi.
3-ilova. V. A. Mosart. Klarnet va orkestr uchun konsert, KV 622. III qism,
klavir.
180
XIX asrda klarnet va fortepiano uchun ko‘pdan-ko‘p turli shakldagi
asarlar paydo bo‘ladi. Ammo eng muhim o‘rinlarni sonatalar va konkurs
sololari egallaydi. Romantizm davrida klarnet va fortepiano uchun sonatalar
yaratgan kompozitorlar qatoriga Frans Dansi (1817-yil), Feliks Mendelson
(1824-yil), Iogann Xartman (1825-yil), Elis Meri Smit (1870-yil), Lui Teodor
Guvi (1880-yil), Ella Adayevskaya (1881-yil), Feliks Drezeke (1887-yil),
Iogannes Brams (1894-yil) kabilar kiradi.
4-ilova. A. Messager. Konkurs solosi. Allegro non troppo.
Konkurs sololar sirasida eng mashhurlari Anri Rabo va Andre-Sharl
Messaje qalamlariga mansub. Bugungi kunda bu asarlar dunyoning turli
181
chekkalarida tashkillashtirilayotgan ko‘rik-tanlov va festivallar dasturiga
kiritilgan.
Messajening «Konkurs solosi» asarida musiqiy qatlam qiziq tarzda
namoyish etilgan. Asarning birinchi qismi tantanavor ruhda yozilgan. Buni
aks ettirish uchun kompozitor fortepiano jo‘rligida keng diapazonni qamrab
oluvchi akkordlar tizmasi, klarnet kuy chizig‘ida esa punktir ritmik rasmdan
foydalangan.
5-ilova. A. Messager. Konkurs solosi. Andante.
182
Asarning ikkinchi qismi lirik tabiatga ega. Bu yerda kuy yakkaxondan
jo‘rnavozga va jo‘rnavozdan yakkaxonga o‘tib, tom ma'nodagi duetni hosil
qiladi. Birinchi qismga qarama-qarshi tarzda, bu yerda kuy va jo‘rlik bir
ritmik rasmni ifoda etmay, hissalarda o‘zaro nomutanosiblikni vujudga
keltiradi. Bunday usul bilan muallif his-hayajonli tuyg‘ularni aks ettirishga
erishadi.
6-ilova. A. Messager. Konkurs solosi. Allegro vivo.
183
Klarnet kadensiyasi va reprizadan so‘ng koda yangraydi. Bu yerda
klarnet partiyasi sur’at tezligi, shtrixlar va texnik unsurlar xilma-xilligi nuqtai
nazaridan o‘ta murakkab. Bunday holatda jo‘rnavoz ritmik aniqlikni hamda
kuy chizig‘ining relyefini to‘g‘ri ko‘rsata bilishi zarur. Fortepiano jo‘rligi asar
boshidagi kabi akkordlar tizmasi bilan yakunlanib, qismlarni umumg‘oyaviy
nuqtaga olib keladi.
XX asrda musiqiy til yanada murakkablashadi. XVIII va XIX asrlarda
faqatgina yakkaxon kadensiyalariga xos bo‘lgan shakliy, ritmik, agogik
erkinlik endilikda asarning istalgan qismidan joy egallashi mumkin.
Fortepiano jo‘rligi esa, nafaqat XVIII asrga xos ritmik, garmonik ustun va XIX
asrga xos teng huquqli duetning tarkibiy qismi sifatida yakkaxonda mavjud
ifoda unsurlarini o‘z partiyasida ham namoyish etadi, balki XX asrda
shakllangan tasviriy usullardan ham keng ko‘lamda foydalanadi.
XX asrda klarnet va fortepiano uchun yaratilgan asarlar qatorida
fransuz kompozitor Ejen Bozzaning «Ariya», «Klaribel» hamda «Bukolika»
nomli pyesalari alohida ahamiyat kasb etadi. Bugungi kunda ular nafaqat
yurtimizda, balki butun dunyo bo‘ylab ko‘pgina ko‘rik-tanlovlarning
dasturiga kiritilgan. Shaxsan skripka ijrochisi bo‘lishiga qaramay, E. Bozza
yog‘och va mis damli cholg‘ular uchun asarlar muallifi sifatida dunyoga
tanilgan. Uning ijodiyoti keng qamrovli bo‘lib, 5ta simfoniya, opera va
baletlar, xor uchun yirik shakldagi asarlarni o‘z ichiga oladi. Klarnet va
fortepiano uchun yozilgan asarlarda ham bu ijodiy xilma-xillik musiqiy
qatlamda o‘z aksini topadi.
Kompozitorning «Bukolika» asarida fortepiano jo‘rligi ba'zan
skripkada passajlarni ijro etayotgandek, ba’zan esa opera klavirini
chalayotgandek. Bu yerda garmonik til o‘ta ifodali, boy va serqirradir.
Bundan tashqari, Bozza mavjud dinamik unsurlardan ham keng foydalanadi.
Asar katta diapazonni qamrab oluvchi garmoniyaning yoyilishidan
boshlanadi. Undan so‘ng, erkin tarzda xuddi shunday kenglikda klarnet
yangraydi. Bu ham XIX asr musiqasidan farq qiladi. XIX asr kompozitorlari
qismlar o‘rtasida dramatik, g‘oyaviy yoki shakliy ziddiyat hosil qilish uchun
asarning bir qismida klarnet va fortepiano cholg‘ularining ma'lum registrini
namoyish etib, boshqa registrni keyingi qismda ifoda etganlar. XX asrda
ifodaviy imkoniyatlar ko‘lami ancha kengayishi natijasida, faqatgina
registrlarga xos farqlovchi unsurlarga tayanmoq usuli eskirdi.
Asarning o‘rta qismida (Andantino mosso ma non troppo) XIX asr oxiri
va XX asr fransuz operasiga xos ifoda usullaridan foydalanib, muallif fransuz
vokal maktabi ijro mahoratini klarnet cholg‘usida aks ettirishga erishadi.
Asarning skerso qismida klarnet va fortepiano partiyalari texnik
mahorat nuqtai nazaridan o‘ta murakkab bo‘lib, jo‘rnavozdan yuqori aqliy va
jismoniy e’tibor va diqqatni talab etadi. Bu yerda muhim ahamiyatga ega
ritmik rasm, asosan, fortepiano jo‘rligida namoyon bo‘ladi. Bunday holatda
184
jo‘rnavoz ritmik ustunlar barqarorligini buzmay, yakkaxon ijrosi talab
etuvchi aniqlikni ta’minlashi darkor.
7-ilova. E. Bozza. Bukolika. Récitatif.
Umuman olganda, “Bukolika” kamer ansambl uchun mo‘ljallangan asar
sanalsa-da, undagi fortepiano jo‘rligi XX asr simfonik orkestrining barcha
ifodaviy bo‘yoqlariga egadir. Ularni o‘z ijrosida aks ettira olish uchun
jo‘rnavoz kompozitorning boshqa asarlari, unga ta’sir ko‘rsatgan
185
kompozitorlarning ijodi, uslubiy qonuniyatlar, klarnet cholg‘usiga
qo‘yiladigan XX asr texnik mahorat talabalaridan xabardor bo‘lmog‘i lozim.
,
8-ilova. E. Bozza. Bukolika. Andantino mosso ma non troppo.
186
9-ilova. E. Bozza. Bukolika. Scherzo.
Foydalanilgan adabiyotlar:
1. Деннер, Иоганн-Кристоф // Энциклопедический словарь
Брокгауза и Ефрона: 86 c. (82 т. и 4 доп.). – СПб., 1890-1907.
2. Albert R. Rice. The Clarinet in the Classical Period. – Oxford
University Press, 2003. – С. 149.
3. Thrasher Michael. The Clarinetist-Composers of Nineteenth-
Century Italy: An Examination of Style, Repertoire and Pedagogy. –
ClarinetFest, 2006.
4. Albert R. Rice. The Clarinet in the Classical Period. – Oxford
University Press, 2003. – С. 150.
5. Colin James Lawson. Mozart, clarinet concerto – Cambridge
University Press, 1996. – P. 39-40
187
Мировые сценические площадки
для инструментальных ансамблей
Бакиева Севинчхон, Чо ИнЁнг, Шорустамова Диора
Государственная консерватория Узбекистана
Узбекистан, Ташкент
Аннотация: В статье собрана информация о самых престижных
концертных площадках мира, в которых выступали современные
музыкальные ансамбли. В центре внимания оказались концертные
залы США, Германии, Великобритании, России, Республики Корея,
Узбекистана. Рассмотрены такие составы, как фортепианный ан-
самбль, трио, квартет, квинтет. Особое внимание уделено характе-
ристике архитектуры и акустики концертных залов.
Ключевые слова: Ансамбли, концертные залы, акустика,
архитектура, знаменитые коллективы.
Annotatsiya: Maqolada zamonaviy musiqiy ansambllar ishtirok
etgan dunyodagi eng obro‘li konsert maydonlari haqida ma’lumotlar mav-
jud. AQSh, Germaniya, Buyuk Britaniya, Rossiya, Koreya Respublikasi va
O‘zbekistondagi konsert zallari diqqat markazida bo‘ldi. Pianino ansambli,
trio, kvartet, kvintet kabi kompozitsiyalar ko‘rib chiqiladi. Konsert zallari
me'morchiligi va akustikasi xususiyatlariga alohida e’tibor beriladi.
Kalit so‘zlar: ansambllar, konsert zallari, akustika, arhitektura,
mashhur jamoalar.
Abstract: The article contains information about the most
prestigious concert venues in the world, where modern musical
ensembles have performed. Concert halls in the USA, Germany, Great
Britain, Russia, the Republic of Korea, and Uzbekistan were in the
spotlight. Such compositions as piano ensemble, trio, quartet, quintet are
considered. Particular attention is paid to the characteristics of the
architecture and acoustics of the concert halls.
Keywords: ensembles, concert halls, acoustics, architecture, famous
bands.
В современном глобальном мире существует множество музы-
кальных ансамблей. Они гастролируют и дают концерты на знаме-
нитых концертных площадках разных стран мира: США, России,
Великобритании, Германии, Узбекистане, Корее и других. Каждый
из этих залов поражает зрителей не только своей красотой, но и
историей возникновения, а также у каждого из них есть собственные
архитектурные и акустические особенности, которые влияют на
качество звучания во время исполнения музыкальных ансамблей.
Помимо того, что концертный зал – это специальное помещение для
проведения публичных концертов, они являются настоящим
произведением искусства, архитектуры, отражением культуры той
или иной страны.
188
США. Видным представителем сценических площадок в США
являются: Карнеги холл (Carnegie Hall).
Рис.1 Карнеги холл,США
Карнеги Холл – одна из самых престижных концертных площа-
док. Первый концерт в этом зале состоялся 5 мая 1891 года.
Основной зал на сегодняшний день – Isaac Stern Auditorium / Ronald
O. Perelman Stage. Заслуга архитектора Карнеги-Холл на самом деле
достойна куда больших цифр, ведь благодаря его трудам
концертный зал по-прежнему может похвастаться великолепной
акустикой. Вследствие того, что в нем полностью отсутствуют
любые препятствующие звуку детали декора, такие, как тяжелые
шторы, люстры или фрески на стенах, даже сегодня четкость и
насыщенность звука в любом месте зала абсолютно одинакова.
Из музыкальных ансамблей здесь выступали: Солисты Москвы
(камерный ансамбль, художественный руководитель и солист
ансамбля – Юрий Башмет. В их репертуар включены лучшие и редко
исполняемые произведения отечественной и мировой классики,
включая произведения композиторов Телемана, Моцарта, Шенбер-
га, Шнитке, Баха, Шуберта, Чайковского и Дворжака), Кронос-
квартет (американский струнный квартет, созданный в 1973 году
скрипачом Дэвидом Харрингтоном. Специализируется на камерной
музыке XX века), Philip Glass Ensemble (американская музыкальная
группа, основанная композитором Филипом Глассом в 1968 году,
чтобы служить выходом для его экспериментальной минима-
листской музыки. Ансамбль продолжает выступать и записываться
по сей день под музыкальным руководством клавишника Майкла
Рисмана), Новус (NOVUS) ансамбль (основнои представитель камер-
ного ансамбля Кореи, состоящии из струнных инструментов. Все
исполнители закончили K-arts (Кореискии национальныи универ-
ситет искусств), организовали группу в 2007 году с целью распро-
189
странения камерои музыки. С начала создания ансамбля исполни-
тели заняли 3 места на международных конкурсах камернои музыки
в Осаке и Лионе, а также получили 1 премию на международном
конкурсе имени Моцарта), Седжон солисты «Sejong Soloists» (струн-
ныи ансамбль мирового уровня разных нации, был основан в 1995
году в Нью-Иорке под художественным руководством Хе Канг (Hyo
Kang) – профессора Джульярскои школы. Провели более чем 200
концертов в разных странах Европы, Азии и США. Единственныи
кореискии ансамбль, которыи пригласили на концерт сотруд-
ничества Кеннеди центра и Карнеги холла) и другие.
Россия. Также одними из самых престижных и значимых
площадок мира являются Большой зал Московской Консерватории
и Филармония-2, которые находятся в Москве.
Рис.2 Большой Зал Московской Консерватории
Большо ́й зал Моско ́вской консервато ́рии - одна из крупнейших
и самых значительных концертных площадок в России. Его торжест-
венное открытие состоялось 7 (20) апреля 1901 г. В Большом зале
выступают лучшие солисты и коллективы мира, а также проходят
международные фестивали и конкурсы, среди них – всемирно
известный Конкурс имени П. И. Чайковского. Самое главное для
музыкантов и слушателей – его великолепная акустика: зал даже
называют за это «огромной скрипкой Страдивари».
Здесь выступали такие музыкальные ансамбли, как: Брамс
трио (один из ведущих российских камерных ансамблей, фортепиан-
ное трио в составе: победитель XI Международного конкурса имени
П. И. Чайковского, заслуженный артист России скрипач Николай
Саченко; победитель VIII Международного конкурса имени П.И.Чай-
ковского, доцент Московской консерватории виолончелист Кирилл
Родин; основатель ансамбля – заслуженная артистка России, доцент
Московской консерватории пианистка Наталия Рубинштейн),
Ансамбль солистов Студия новой музыки (ведущий российский
ансамбль современной музыки основанный в 1993 в Московской
190
консерватории композитором Владимиром Тарнопольским, дири-
жером Игорем Дроновым и музыковедом Александром Соколовым,
исполняющий практически всю камерную и камерно-оркестровую
музыка ХХ-ХХI веков, начиная от раннего русского авангарда и
западного модернизма до сочинений, написанных в последние
годы), Солисты Москвы и др.
Филармония-2 – концертный комплекс Московской государ-
ственной академической филармонии, расположенный на Юго-
Западе Москвы в Олимпийской деревне. Здание, спроектированное
архитекторами О. Г. Кедреновским, Т. В. Малярчуком и Н. П. Гадзец-
кой, было введено в эксплуатацию как культурный центр в составе
Олимпийской деревни в 1980 году к летним Олимпийским играм в
Москве. C 2002 по 2014 год в здании концертного зала располагался
Государственный музыкальный театр под управлением Владимира
Назарова. Весной 2014 года здание передали Московской
филармонии. В комплексе четыре зала (Концертный зал имени С. В.
Рахманинова, Малый зал, Игровой зал и Виртуальный зал), три
репетиционные площадки, административные помещения и кафе.
Рис.3 Филармония-2, Зал имени С.В.Рахманинова, Россия
Концертный зал имени С. В. Рахманинова. Торжественное
открытие состоялось в январе 2015 года. После открытия зал
получили имя Сергея Рахманинова. Все выступавшие отмечали
прекрасную акустику зала и преимущество расположения зала не в
центре города.
Выступали такие музыкальные ансамбли, как: ГАМ ансамбль
(«Галерея актуальной музыки» – музыкальный коллектив, специа-
лизирующийся на исполнении современной академической музыки.
191
Основатель, художественный руководитель и дирижер – Олег
Пайбердин), Брасс-квинтет Российского национального оркестра
(был основан в 2005 году солистом оркестра, трубачом Владиславом
Лавриком) и другие.
Великобритания. Одним из самых знаменитых залов Англии
является Королевский Вигмор Холл (Wigmore Hall).
Рис.4. Вигмор холл, Великобритания
Вигмор-холл (Wigmore Hall) – это концертный зал, расположен-
ный на Вигмор-стрит, 36 в Лондоне. Он специализируется на испол-
нении камерной музыки, старинной музыки, вокала и песенных
концертов. Он был отремонтирован в 2004 году и получил широкую
оценку за то, что был завершен вовремя и в рамках бюджета. Зал
считается одним из лучших в Европе по акустике для классической
музыки.
Выступали такие ансамбли, как: Новус (NOVUS) ансамбль,
струнныи «Энделлион-квартет» (Endellion Quartet – считается одним
из лучших квартетов мира. Был создан в 1979 году), «Эмерсон-
квартет» (Emerson Quartet – занимает особое место струнных квар-
тетов. Его достижения за три десятилетия выглядят краине внуши-
тельно: более тридцати успешных записеи на студии Deutsche Gram-
mophon (с 1987 года), девять премии «Грэмми»), «Академия старин-
нои музыки» (Academy of Ancient Music – россиискии камерныи ан-
самбль, специализирующиися на исполнении музыки эпохи барокко
и современных композиции. Основатель и художественныи руково-
дитель ансамбля – Татьяна Гринденко), «Нэш-ансамбль» (Nash
Ensemble of London – является резидентом Вигмор-холла)
Германия. Германия славится до мелочей продуманными
концертными залами необычайной красоты. Самые известные –
Берлинская филармония и Берлинский Концертхаус (Konzerthaus).
192
Рис.5. Берлинская филармония, Германия
Берлинская филармония (нем. Berliner Philharmonie) — один из
самых известных концертных залов мира на площади Кемперплац
(нем. Kemperplatz) в берлинском районе Тиргартен. Здание
филармонии было построено для Берлинского филармонического
оркестра в 1960-1963 годах по проекту архитектора Ганса Бернхарда
Шаруна и торжественно открылось 15 октября 1963 года.
Берлинская филармония стала первым сооружением в проекте
берлинского Культурфорума.
Зал Филармонии пятиугольной формы – «Большой зал» явля-
ется самым большим концертным залом Берлина. Зал Филармонии
отличается необычным интерьером. Сцена перенесена в центр зала,
и оркестр как на арене окружён со всех сторон публикой, раз-
мещающейся на разно уровневых террасах лож. Акустические
проблемы были великолепно решены за счёт особой конструкции
стен и мягкой обивки потолка.
Ансамбли: Солисты Москвы, Студия новой музыки (ведущий
ансамбль современной музыки в России) и другие.
Концертхаус (нем. Konzerthaus Berlin), ранее Шаушпильхаус
(нем. Schauspielhaus Berlin) был возведён в 1818-1821 гг. по проекту
Карла Фридриха Шинкеля как Королевский драматический театр
(Königliches Schauspielhaus). Здание позднего классицизма
находится в центре Берлина на площади Жандарменмаркт.
Здание было открыто 18 июня 1821 года премьерой оперы
Карла Вебера «Волшебный стрелок». Здание считается одним из
самых известных зданий, спроектированных Шинкелем. В 1992 году
Концертхаус был официально объявлен домашней площадкой
193
Берлинского симфонического оркестра, который в 2006 году
изменил название на Оркестр Концертхауса.
Рис.6 Концертхаус, Германия
Выступали такие ансамбли, как: Маркелловы голоса (россий-
ский хоровой ансамбль, основанный в 1995 году на базе Новосибир-
ской государственной филармонии. Художественный руководитель
– Игорь Тюваев. Репертуар ансамбля очень разнообразен, в его осно-
ве лежат произведения доклассического периода), Фольклорно-
этнографический ансамбль «Туран» (Группа из пяти человек с
акцентом на инструментальное звучание. Оригинальность и само-
бытность коллектива становятся очевидными с первых звуков
композиций в исполнение ансамбля. Формы их произведений
приближены к образцам старинных инструментальных и вокальных
сочинений. Звучание ансамбля особенно необычно и
194
завораживающе в силу виртуозного использования музыкантами
редких национальных инструментов) и другие.
Корея. Во многих городах Кореи находятся различные
концертные залы классическои музыки, но самыми выдающимися
являются: Сеул арт центр (Seoul Arts Center), Седжон арт центр
(Sejong Performing Arts Center), которые находятся в столице страны
- Сеуле.
Седжон арт центр стал центром искусства и культуры Кореи
после независимости. Центр был открыт в 1978 году. Имеет несколь-
ко залов: большои театральныи зал, среднии театральныи зал,
маленькии театральныи зал, камерныи холл, академия искусств.
Большои театральныи зал подходит для исполнения разных жанров
музыки, включая классическую и современную музыку.
Рис.7 Камерныи холл Седжон арт центра, Корея
Камерныи холл – зал с акустикои мирового уровня, где сам зал,
как инструмент, передает резонанс звука до каждого слушателя.
Является самым значимым залом камернои музыки во всеи стране.
Седжон арт центр обращает особое внимание на камерную музыку. С
2015 года проводится ежегодная программа «Камерные Серии
Седжон» («Sejong Chamber Series»). Программа 2021 года поддержи-
вает исполнителеи молодого поколения. Здесь выступали такие
ансамбли, как: Новус (NOVUS) ансамбль, Седжон солисты «Sejong
Soloists», Ансамбль Дитто «Ditto» (создан в 2007 году альтистом
Ричардом Енгджэ Онеилом (Richard Yongjae O’Neill) – солист, которыи
в марте 2021 года получил награду Грэмми в номинации «солист
классическои музыки». Целью ансамбля является сблизить
195
современную публику с камернои музыкои) и другие.
Сеул арт центр – является самым масштабным представитель-
ным центром искусства. Здание было полностью открыто в 1993
году. Сам комплекс разделяется на три части: музыкальные залы,
опера хаус, выставочные залы. Музыкальных залов всего три:
концертныи холл, камерныи зал, сольныи зал. Концертныи холл
Сеул центра считается первым концертным залом Кореи, которыи
был открыт только для классических концертов. На сегодня также
является самым престижным залом страны.
Здесь проходило выступление фортепианного дуэта братьев
Лим Донг-Хек и Лим Донг-Мин (лауреаты конкурса Шопена).
Рис.8 Концертныи холл Сеул арт центра, Корея
Узбекистан. Узбекистан также славится своими сценическими
площадками: Дворец форумов, Дворец «Туркистан» и площадь
«Регистан».
Дворец форумов стал главным местом для проведения крупных
мероприятий, в том числе в рамках деятельности международных
организаций, в которые входит Узбекистан. Открытие Дворца было в
2009 году.
Использовалась специальная акустическая штукатурка, благодаря
которой звук в помещениях не искажается и не создаёт неприятное эхо во
время мероприятий.
Из ансамблей тут проводили свои концерты: Рихтер трио
(представители российского минимализма; художественный руко-
водитель, композитор и пианист – Кирилл Рихтер), Солисты Москвы,
Ансамбль народного танца Игоря Моисеева , Ансамбль перкуссионистов
196
«Ритмы Узбекистана» (созданный лауреатами «Янги авлод» братьями
Хакимовыми) и другие.
Рис.9 Зал Дворца форумов, Узбекистан
Рис.10 Дворец «Туркестан», Узбекистан
Дворец «Туркестан» (узб. Turkiston Saroyi) – это художественная
площадка в столице Узбекистана – Ташкенте. Дворец был открыт в 1993
году по инициативе первого президента страны Ислама Каримова ко
второй годовщине независимости Узбекистана.
В нем есть два основных театральных зала, Зимний зал и Летний
амфитеатр, каждый из которых предназначен для зимы и лета
соответственно. Это главное место проведения различных массовых
мероприятий, в том числе государственных праздников. Также
посольства многих зарубежных стран проводят во дворце национальные
и культурные мероприятия, конференции, выставки и конкурсы. В
197
январе 2021 года здесь прошел IV Международный музыкальный
фестиваль «Eurasian stars», в ходе которого выступили такие музыканты,
как: Филипп Копачевский (фортепиано), солисты Анна Аглатова и Рамиз
Усманов, Гайк Казазян (скрипка), Мариус Стравинский (дирижер), трио
(Филипп Копачевский-фортепиано, Борис Андреанов-виолончель,
Сергей Догадин-скрипка). Также выступали: Азиз Шохакимов (дирижер),
Сергей Крылов (скрипка), Трио акустических гитар и другие.
Список литературы:
1. Концертные залы [В Интернете] URL:
https://yunc.org/%D0%9A%D0%9E%D0%9D%D0%A6%D0%95%D0
%A0%D0%A2%D0%9D%D0%AB%D0%95_%D0%97%D0%90%D0%9
B%D0%AB. Дата обращения: 02.03.2021 г.
2. Мировые концертные залы [В Интернете] URL:
https://ru.m.wikipedia.org/wiki/%D0%9A%D0%BE%D0%BD%D1%86
%D0%B5%D1%80%D1%82%D0%BD%D1%8B%D0%B9_%D0%B7%D
0%B0%D0%BB. Дата обращения: 02.03.2021 г.
198
The words you are searching are inside this book. To get more targeted content, please make full-text search by clicking here.
Home
Explore
ANSAMBL IJROCHILIGI: TARIX, NAZARIYA, AMALIYOT: Хalqaro ilmiy-amaliy seminar materiallari to'plami
View in Fullscreen
Discover the best professional documents and content resources in AnyFlip Document Base.
Search