Monet

MONET

L’IMPRESSIONNISME

ÉTUDE D’INDÉPENDANCE
ANALYSE DES ŒUVRES D’ART

« L’impressionnisme de Monet »

PAR
Thyme YAHWEHPHONGHT

600110111

SOUS LA DIRECTION DE
Mademoiselle Sarochin ARDHARN

DANS LE CADRE DU COURS 002489
ANNÉE ANNIVERSAIRE 2021

SECTION DE FRANÇAIS,
FACULTÉ DES HUMANITÉ, UNIVERSITÉ DE CHIANG MAI

Remerciements

Je tiens à remercier toutes les personnes qui ont contribué au succès de mon stage et
qui m'ont aidé lors de la rédaction de ce rapport.

Tout d'abord, j'adresse mes remerciements à mon professeur, Mlle Sarochin Ardharn,
Section de français, Faculté des humanités, Université de Chiang Mai qui m'a beaucoup aidé
dans ma recherche. Son écoute et ses conseils m'ont permis de cibler qui était en totale
adéquation avec mes attentes. Grâce aussi à sa confiance j'ai pu m'accomplir totalement dans
mes missions. Il fut d'une aide précieuse dans les moments les plus délicats.

Je tiens à remercier vivement mon conseiller associé, Dr Supamon Peerapornpisal,
Département d’Art Thaï, Faculté des beaux-arts, Université de Chiang Mai, grâce à l'aide de
ses informations également, j'ai pu obtenir des résultats parfaits.

Je remercie également toute mon équipe pour leur aider, leur esprit d'aider et en
particulier Mlle Supak Imsombat, Mme Pakakron Kamkoa et Mlle Lookyee Pimsawat qui
m'a beaucoup aidé.

Enfin, je tiens à remercier toutes les personnes qui m'ont conseillé et relu lors de la
rédaction de ce rapport : ma famille, mon amie Onuma Nimanong, camarade de promotion.

TABLES DES MATIÈRES 1
2
INTRODUCTION 2
Partie I : L’art impressionnisme 3
4
1.1 L’histoire de l’art impressionnisme 4
1.1.1 D’où vient le terme « impressionnisme » 9
1.1.2 La technique d’une peinture impressionnisme 10
12
1.2 Le groupe d’artiste impressionnisme célèbre 13
2.1 La bibliographie de Claude Monet 13
14
2.2 Le changement de la vie de Claude Monet 14
2.3 L’art impressionnisme de Claude Monet 15
2.4 Les périodes de l’art impressionnisme de Claude Monet 15
19
2.4.1 Le premier période (14 ans, 1858-1872) 20
2.4.2 Le moyen période (25 ans, 1872-1897) 21
2.4.3 Le dernier période (28 ans, 1897-1925) 21
3.1 L’âge qui a commencé a devenir célèbre 22
3.2 Les œuvres dans le moyen période 26
3.2.1 Les oeuvres célèbre 27
3.2.2 Les oeuvres du collection de temps different 29
Partie II : La théorie de l’art pour analyser les peinture de Claude Monet 33
1.1 La théorie des couleurs 37
1.1.1 Les principes de base 57
2.1 La théorie de Eugène Chevreul 58
2.1.1 Lois de contraste simultané de Chevreul 59
3.1 Les éléments de base du dessin
4.1 La psychologie des couleur et des émotion
Partie III : Analyse les oeuvres de Claude Monet (1872-1882)
Résultat d’analyse
Conclusion
Bibliographie

INTRODUCTION

L'impressionnisme est l'art de la visualisation, c'est de transmettre un lieu et un
temps sur une toile d'un coup de pinceau rapide et rugueux, nous pouvons simplement
l'appeler l'arrêt du temps. L'impressionnisme, tout a commencé par Claude Monet et ses amis.
Ce sont eux qui enfreignent les règles. Ils sortent pour peindre plutôt qu'en studio, on
l'appelle « En plein air ». J'ai choisi d'étudier l'impressionnisme de Monet appartenant au
mouvement impressionniste. Le tableau reflète le mode de vie, le paysage et la nature qu'il a
vu dans la France du XIXème siècle. Il est également intéressant dans le fait qu'il exprime ses
émotions en fonction des couleurs de ses peintures. Analyse psychologique de la couleur Cela
aide à découvrir ces émotions. Nous étudierons aussi celles de Monet et pourquoi il est
célèbre.

Dans la première partie, je présenterai la définition et le sens de l'impressionnisme. Je
le présente en termes d'histoire et d'origine. Par exemple, d'où vient l'impressionnisme ou qui
sont les artistes célèbres pour ce mouvement et leurs œuvres célèbres. Dans cette section, je
parlerai de Monet et de ses amis, mais ce que j'apprécie le plus, c'est Claude Monet. Je
partage sa brève histoire, ses œuvres intéressantes et chaque moment de sa vie.

Dans la partie suivante, je présenterai une théorie que nous pourrons utiliser pour
analyser les œuvres de Claude Monet. Je vais parler de la théorie des couleurs, je vais parler
brièvement des principes des couleurs et de la théorie de la roue chromatique de Johann
Wolfgang von Goethe. Par ailleurs, je prête également attention à « La théorie d’Eugène
Chevreul » que l'on peut appeler « Les lois de Chevreuil sur la couleur » Je parlerai aussi des
éléments de base du dessin, c'est l'origine de toutes sortes de peinture. Enfin, j'attache une
grande importance à La psychologie des couleurs et des émotions parce que c'est là que je
peux très bien décrire l'ambiance du tableau et les sentiments de l’artiste.

Dans la dernière partie, j'expliquerai le principe d'utilisation de la couleur, la
composition de la peinture, analyserai l'humeur de l'artiste en observant l'utilisation de la
peinture et des coups de pinceau. Je donnerai des exemples de pièces de son travail, je
décrirai aussi ses peinture comme mon ressenti à travers des sensations et des touches
imaginaires.

1

Partie I : L’art impressionnisme

« Impressionnisme, C'est le mouvement du XIXème siècle dont les artistes aiment
représenter leurs impressions que la réalité. Impressionnistes célèbres par exemple Claude
Monet, Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley, Camille Pissarro, etc. » L’impressionnisme est
né en 1873 par Claude Monet, auteur d’Impression, soleil levant, ses œuvres sont magnifique
par du flou et aussi la rapidité. Sa toile, une peinture rapide, performative, attachées à ce
mouvement se caractérisent. Normalement il représente des sujets réalistes ou de plein-air, et
aussi la vie moderne (dans cette époque là).

« Un matin, l’un de nous manquant de noir, se servit de bleu : l’impressionnisme était né. »
Auguste Renoir

L'époque de la révolution de l'art, l'impressionnisme, cela fait changer des nombreux
artistes au XIXe siècle. Édouard Manet, il n'est pas impressionniste mais il a mené beaucoup
d’artistes a ce mouvement et il dit « Je peins ce que je vois, et non ce qu’il plaît aux autres de
voir »

1.1 L’histoire de l’art impressionnisme

Avant les impressionnistes, il y avait le réalisme. Ce mouvement artistique a
commencé en France en 1850, après la révolution de 1848. Avant l'impressionnisme original,
les peintres ont travaillé sur des sujets historiques, religieux et portraitistes. Mais il a aussi le
mouvement de l'environnement. Ils utilisent des coups de pinceau très spécifiques et les
mélangent pour que cela ressemble à une photographie. L'impressionnisme était un grand
mouvement qui reste l'un des plus intéressants de l'histoire de l'art et son existence est venue
de la critique, qui critiquait ce qu'ils peignaient parce que personne d'autre ne le faisait. De
plus, ils dessinaient en ignorant les règles du passé. Il produit de belles œuvres et des artistes
de génie, ce qui est bon pour eux. Ces artistes se démarquent du groupe traditionnel des
artistes. Ils s'intéressent à la peinture de la nature, des paysages et des portraits.

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L'impressionnisme était un grand mouvement qui reste l'un des plus intéressants de
l'histoire de l'art et son existence est venue de la critique, qui critiquait ce qu'ils peignaient
parce que personne d'autre ne le faisait. De plus, ils dessinaient en ignorant les règles du
passé. Il produit de belles œuvres et des artistes de génie, ce qui est bon pour eux. Ces artistes
se démarquent du groupe traditionnel des artistes. Ils s'intéressent à la peinture de la nature,
des paysages et des portraits. Ils peignent avec leur âme. C'était aussi une époque qui
réunissait des artistes célèbres tels que Monet, Renoir et Sisley. L’impressionnisme est la
beauté et un mouvement, il représente la contemporanéité, le plein-air, la rapidité et les
couleurs vives. L'impressionnisme est l’éphémère; la nature changeante comme les saisons,
les arbres et les couleurs de la nature. Ce mouvement a été rendu célèbre par des expositions
à Paris, Londres, New York jusqu'en 1886. Ils ont créé le monde de l'art de l'époque avec des
tons floraux légers, joyeux et naturels.

À cette époque, c'était l'époque de la peinture en atelier, les artistes sortaient rarement
pour peindre. Ils apprécient la perfection de la peinture. Ils ont passé beaucoup de temps en
studio. Pour obtenir l'image parfaite qu'ils veulent. D'autre part, un groupe appelé
impressionnisme, ils travaillent à l'extérieur. Leur travail est en phase avec la lumière
naturelle et la vitesse des coups de pinceau.

1.1.1 D’où vient le terme « impressionnisme » ?

Selon le dictionnaire Larousse Française 2021, il dit que « Impressionnisme » est à la
fois esthétique et mouvement. C'est un bel art qui est moderne. Les artistes peignent
rapidement à l'extérieur du studio et utilisent des couleurs vives. En sociologie, il s'agit d'un
groupe d'artistes qui ont choisi d'exposer aux côtés du Salon officiel entre 1874 et 1886.

Le nom du processus « L'impressionnisme » est venu du critique d'art Louis Leroy
après avoir vu le tableau de Claude Monet en 1874. Il a écrit sarcastiquement au propriétaire
du tableau « Impression soleil levant » qu'il présente plus de cent cinquante œuvres par mois.
Celui-ci est Claude Monet. Mais à la fin, il était concentré et enthousiasmé par le travail de
Monet : « Je me disais aussi, puisque je suis impressionné, il doit y avoir de l’impression là-
dedans…».

3

1.1.2 La technique d’une peinture impressionnisme

Après la séparation du groupe, les artistes impressionnistes ont créé de nouvelles
œuvres et étaient très populaires parmi les nouveaux artistes avec une technique de dessin
apparemment imparfaite et la crudité du dessin et ils s'inspirent aussi des estampes
japonaises. Ce sont des couleurs vibrantes et des lignes simples. L'impressionnisme est des
œuvres de la réalité visuelle et de l'imagination de la réalité. Les impressionnistes ont sorti les
artistes de leurs ateliers et se sont aventurés davantage à l'extérieur pour peindre (en plein
air). Ils dépeignent la vie quotidienne selon la lumière. Effet sur la composition, ils sont ravis
de transmettre leurs impressions de la manière la plus honnête. Les thèmes de la mer et des
champs sont aussi ses préférés. Il y a aussi un penchant particulier pour les bords de rivières
ou les plages et ses peintures représentant différents moments de la journée. De plus, les
paysages bucoliques et ruraux ne sont pas les seules formes accessibles aux impressionnistes
mais souligne aussi la ville et sa transformation.

1.2 Le groupe d’artiste impressionnisme célèbre

Il existe de nombreuses méthodes de regroupement de l'art par les historiens, il est
continu à travers le temps et l'espace en groupes, ils sont définis par l'idée que les œuvres qui
le composent ont un caractère particulier ou un ensemble de caractéristiques importantes. Les
éléments clés reflètent l'approche unique de l'artiste. En général, l’art occidental est structuré
par des mouvements artistiques, dont la plupart utilisent des critères culturels et esthétiques
tandis que l'art oriental est divisé en périodes. L’impressionnisme est un mouvement né
d'artistes du XIXe siècle vivant en France. Leur mouvement a été sévèrement critiqué à ses
débuts, qui a tracé la ligne entre l'art moderne et la peinture académique.

Ce mouvement est unique, il a des coups de pinceau visibles et une composition large,
il utilise une perspective inhabituelle. Il y a aussi le mouvement de l'environnement et de la
lumière. Il sera transféré directement sur la toile. L'impressionnisme a influencé de nombreux
arts de cette époque. Pas seulement des peintures, mais aussi des sculptures, de la littérature
et de la musique. Le groupe d’impressionnistes « Monet, Renoir, Bazille et Sisley », ils se
sont rencontrés pour la première fois à l'école privée « École des Beaux-Arts Charles
Gleyre ». Ils ont des idées artistiques révolutionnaires. Alors ils ont choisi leur propre voie,
quittant l'école et dessinant comme ils le voulaient.

4

Édouard Manet

Autoportrait à la palette,
Edouard Manet, 1878; Paris, France
Impressionnisme, l’Autoportrait, l’huile sur toile

Édouard Manet est un peintre et graveur français majeur. Il est comme des pères de
l'impressionnisme, mais il a utilisé les nouvelles techniques de la couleur et le traitement
particulier de la lumière. Il a fait toujours des thèmes récurrents comme les portraits, les
paysages marins, la vie parisienne ou encore les natures mortes. Les peintures de Manet
"Lola de Valence" et "Olympia", elles représentent l'utilisation de la lumière et de l'ombre.
C'est aussi son style de portrait.

Lola de Valence Olympia
Édouard Manet 1862; Paris, France Édouard Manet, 1863; Paris, France
Impressionnisme, portrait, l’huile sur toile, Impressionnisme, nu, l’huile sur toile,
Musée d’Orsay,123 x 92 cm Musée d’Orsay, 130,5 x 190 cm

5

Jacob Abraham Camille Pissarro, dit Camille Pissarro,

l’autoportrait de Pissarro
Camille Pissarro, 1898; Paris, France
Impressionnisme, l’autoportrait, l’huile sur toile

Il est comme le père de l'impressionnisme. Il aime peindre les champs et la campagne.
Mais il est devenu célèbre pour avoir dessiné Montmartre et la vue autour du musée du
Louvre. Il faisait également partie des mouvements libéraux. Pissarro, il peint souvent des
paysages de campagne et de ville. Il utilise les couleurs comme son style, des couleurs
chaudes. Mais il n'a pas oublié d'utiliser la lumière et l'ombre. Ces deux tableaux montrent
clairement le contraste entre la vie rurale et urbaine.

Les femmes paysannes plantant des piquets Boulevard Montmartre Matin, temps gris
Camille Pissarro, 1891, France Camille Pissarro, 1897, France
Impressionnisme, scène de genre, l’huile sur toile, Impressionnisme, paysage urbain, l’huile sur toile,
collection particulière, 55 x 46 cm Galerie nationale de Victoria, 73 x 92 cm

6

Pierre-Auguste Renoir, dit Auguste Renoir,

Autoportrait de Renoir
Pierre-Auguste Renoir; 1899; Paris, France
Impressionnisme, l’autoportrait, l’huile sur toile

Il est un célèbre peintre impressionniste et aussi un membre important. Il aime peindre
des portraits, des vues de mer, des paysages.Il est aussi sculpteur, sculpteur et designer. Mais
il était plus intéressé à dessiner les gens que la nature(les portraits et le nu féminin). Les deux
dessins ci-dessous, ils montrent qu'il aime dessiner des portraits et des groupes de personnes,
c'est plus que des paysages. Renoir peint rarement un paysage sans personnages.

Le déjeuner de la fête nautique Camille Monet and Her Son Jean in the Garden at Argenteuil
Pierre-Auguste Renoir, 1880 - 1881; France, Pierre-Auguste Renoir; 1874, France
Impressionnisme, Rejet de l'impressionnisme, peinture de genre, Impressionnisme, Association avec les impressionnistes, portrait,
l’huile sur toile, Collection Phillips, 172.7 x 129.5 cm l’huile sur toile, Galerie nationale d'art, 50.4 x 68 cm

7

Alfred Sisley

Portrait d'Alfred Sisley
Pierre-Auguste Renoir, 1841; Paris, France
Impressionnisme, l’autoportrait, l’huile sur toile

Il est un artiste peintre et graveur britannique, il est aussi dans le mouvement
impressionniste et vivant et travaillant en France. Il voulait acquérir la nationalité française.
Mais il est mort à l'âge de 59 ans d'un cancer de la gorge. Il est un ami de Renoir, Monet et
Bazille. Ils ont enfreint les règles de l'académie de peinture et créer leur propre concept.
Sisley aime dessiner des paysages, des bords de mer, des arbres et de la neige. Il n'aime pas
faire des portraits et il utilise toujours des couleurs vives sur lumière et à l'ombre.

Bateaux à l'écluse de Bougival L'Écluse de Moseley près de Hampton Court, effet du matin
Alfred Sisley; 1885, Impressionnisme, paysage, Alfred Sisley; 1874,
l’huile sur toile, collection particulière, 55 x 38 cm Impressionnisme, paysage, l’huile sur toile,
Galerie nationale d’Écosse, 50 x 75 cm

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L’art impressionnisme de Claude Monet

2.1 La bibliographie de Claude Monet

Autoportrait au béret
Claude Monet, 1886;
Impressionnisme, l’autoportrait, l’huile sur toile,
Collection privée, 46 x 56 cm

Oscar Claude Monet dit Claude Monet,
Il était né le 14 novembre 1840 à Paris. Mais il passe son enfance au Havre. Il est l’un
des fondateurs de l'impressionnisme et est célèbre pour son tableau « L’impression : soleil
levant ». Quand il était petit, son père voulait qu'il soit marchand, mais il ne voulait pas être
marchand, il préférait l’art. Quand il était lycéen, il gagnait de l'argent en dessinant des
caricatures, son père était très satisfait. L'année suivant, il rencontre l'artiste Eugène Boudin
qu’il travaille sur la côte normande « peintre de marines » (il peint en plein air) et l'aide à
étudier à Paris. Il était comme un parent de Monet, à sa première représentation il disait « Si
je suis devenu un peintre, c'est à Eugène Boudin que je le dois ». En 1861, il doit quitter pour
combattre à l'Algérie.

9

Sept ans plus tard, il revient étudier le dessin à Paris où il avait rencontré ses amis :
Pierre-Auguste Renoir, Frédéric Bazille et Alfred Sisley. Ils s'étaient connus dans une école
de dessin, mais ils avaient un concept différent de l'école. Ce fut le point de départ où ils ont
créé leur propre groupe. Ils ont travaillé la peinture en plein air. Monet, c'était un peintre
amoureux de la nature. Il a construit son propre jardin, c'était sa grande inspiration. Les
tableaux "Femmes au jardin" et "Les meules de foi à Giverny", sont des représentations du
style de Monet. Ce sont des tableaux célèbres. Il aime beaucoup dessiner la nature et les gens.

Femmes au jardin Les meules de foin à Giverny
Claude Monet, 1866; France Claude Monet, 1884; Giverny, France
Impressionnisme, scène de genre, Impressionnisme, paysage,
l’huile sur toile, Musée d’Orsay, 205 x 255 cm l’huile sur toile, 60.5x81.5 cm

10

2.2 Le changement de la vie de Claude Monet

Claude Monet et la cécité

Les choses qui l'intéressent le plus dans sa vie sont ses peintures, son jardin et ses
fleurs. Le tout sous forme d'art et de couleur. Mais il a failli arrêter son rêve de peindre car
ses yeux étaient sur le point de devenir invisibles. Le premier tableau en perte de vision :
« Impression, soleil levant », C’était l'image la plus critiquée, mais qui a causé
l’impressionnisme.

Monet, il a toujours dit que nous ne regardons pas la réalité telle que nous la voyons,
mais nous la colorons selon notre impression souhaitée : des fleurs, des mers, des rivières,
même des portraits. Il a utilisé la théorie des couleurs et de la lumière. Monet, il travaille dur
pour ses œuvres, il aime aussi la nature, alors il construit son propre jardin qui est situé à
Giverny dans la campagne normande, entre Paris et Rouen. Il est surtout connu comme le lieu
où Claude Monet a vécu pendant 43 ans jusqu'à sa mort en 1926. C'est lui qui contrôlait la
décoration de toutes les couleurs des arbres : bassin aux lotus, pont à la japonaise ou même
des arbres colorés à différentes saisons. Et maintenant, c'est devenu un jardin très célèbre
Aujourd'hui, le village de Giverny, Fondation maison et jardins de Monet se charge de
préserver cette légende vivante pour que les amoureux des impressionnistes se souviennent et
retracent les impressions de Monet sur les peintures ; les collines, les prairies, les couleurs et
reflets des arbres, fleurs, surtout au printemps et l'automne sont magnifiques. Mais peu de
temps après avoir essayé de créer un magnifique jardin, sa vision a commencé à décliner,
jusqu'à ce qu'il fasse complètement noir. Mais il a également essayé de créer des œuvres
étonnantes avec son monde sombre.

Peindre et ne plus voir : le changement

Il a continué à créer des œuvres, il a pratiqué la peinture en couvrant le tissu tout en
peignant, il a cessé d'utiliser le noir et est passé à 4-5 combinaisons de couleurs jusqu'à ce
qu'il devienne sombre. Et finalement il l'a fait, dans la collection : le Bassin aux nymphéas,
harmonie verte, ou harmonie rose. À la fin de sa vie, c'est lui qui travaillait le plus (il
travaillait le plus 7 à 8 heures, sans compter les pauses). Un de ses yeux étaient presque
aveugle, il a fait une dépression nerveuse en voyant la lumière et il a vu l'obscurité totale avec
des lunettes noires. Il est finalement mort dans l'obscurité de ne pas pouvoir voir les couleurs
comme avant.

11

2.3 L’art impressionnisme de Claude Monet

Son style de peinture a beaucoup changé. Au début, il l'a peint en noir et avec des
coups de pinceau lisses. De plus, il a passé la plupart de son temps en studio. Après, il a
choisi des couleurs vives et il a pris plus de temps à dessiner, tout en peignant. Il a utilisé des
couleurs contrastées et pas de noir du tout. Il a créé des teintes sombres ou atténuées en
mélangeant des pigments vifs, qu'il module en modifiant le mélange. Mais à la fin, il était fier
d'avoir publié son style de peinture. Monet était un impressionniste qui se concentrait sur une
peinture qui reflétait l'émotion plutôt que les détails des formes et des textures des images.
Dans sa vie, Monet a écrit environ 2 500 tableaux au total. En fait, le nombre aurait plus
mais il a détruits plusieurs de ses propres tableaux. Les tableaux qu'il a détruit avant qu'il ne
soit saisie par les créanciers et des centaines de tableaux qu'il pensait qu’ils n'étaient pas
parfaite.

Le style de peinture de Monet n’est pas difficile. Il a commencé à dessiner les
principaux éléments du tableau. Ensuite, il a peint progressivement les parties les plus
sombres du ciel, puis il a utilisé des tons neutres pour relier les deux parties. Monet aime les
couleurs pures, primaires et complémentaires. Il a peint sur un fond clair pour refléter la
lumière. Il a utilisé son pinceau par coups rapides et courts, comme de minuscules virgules
sur la toile. Dans l'œuvre de Monet, les lignes droites sont quasi inexistantes. La peinture ci-
dessous, elle représente clairement le style de peinture de Monet. Il a commencé cette toile
avec de la peinture fine et a été progressivement épaissie. Il a utilisé la technique de l'impusto
pour les feuilles et a tracé de longues lignes horizontales pour représenter le reflet du ciel sur
l'eau. Les nuages sont représentés par une légère couleur blanche.

Effet d’automne à Argenteuil
Claude Monet, 1873; Argenteuil, France
Impressionnisme, paysage,
l’huile sur toile, 56 x 75 cm

12





​​

2.4 Les périodes de l’art impressionnisme de Claude Monet

Au cours de sa vie, il a eu beaucoup d'expérience avec le dessin. La première fois qu'il
a dessiné, il a fait une caricature et il a pu en tirer de l'argent. Il est devenu sérieux au sujet de
la peinture en fréquentant une école de dessin. Jusqu'à ce qu'il devienne célèbre pour son
propre travail connu sous le nom de mouvement impressionnisme. Il a développé la peinture
à partir de sa propre adaptation unique, il avait une maladie des yeux.

2.4.1 Le premier période (14 ans, 1858-1872)

L'apparence du pinceau n'est pas claire. À cette époque, il y avait encore beaucoup de
noir dans ses œuvres. En raison de l'époque précédente, les artistes préféraient peindre en
studio.Cela rendait ses peintures très sombres. Cela l'a rendu influencé par l'obscurité et les
coups de pinceau d'autres artistes. Premièrement, Monet utilise toujours un ton sombre (noir).
Par conséquent, cela donne à la peinture une couleur sombre. De plus, il utilise un coup de
pinceau plus doux. Par exemple, ces deux peintures montrent clairement l'obscurité et elles
sont plus parfaites.

Le Déjeuner sur l'herbe Intérieur, après dîner
Claude Monet, 1865 - 1866;France, Claude Monet, 1868 - 1869; Suisse,
Impressionnisme, scène de genre, Impressionnisme, scène de genre,
l’huile sur toile, 248 x 217 cm l’huile sur toile, 50 × 65 cm

13

2.4.2 Le moyen période (25 ans, 1872-1897)

C’est sa période de transformation la plus complète en peinture. Après qu'il décide
d'être son propre style et ne redeviendra plus l'esclave de la pauvreté. Ses œuvres sont claires
et stables. C'était facilement perceptible dans ses lignes. Toutes les peintures de l'époque, y
compris les deux ci-dessous, étaient de couleurs plus vives car il n'utilisait plus le noir. Il
avait également utilisé un pinceau plus rugueux qu’avant. De plus, son monde était brillant à
cause de sa femme et de ses enfants. Ils passèrent de bons moments à Giverny, une maison de
jardin parmi les fleurs où il l'a reconstruite.

Camille Monet et un enfant au jardin Argenteuil Soleil couchant sur la Seine à Lavacourt, effet d’hiver
Claude Monet, 1875; France Claude Monet, 1880; France,
Impressionnisme, portrait, l’huile sur toile, Impressionnisme, paysage, l’huile sur toile, Petit Palais, 100 x 150 cm
Musée des beaux-arts de Boston, 55,3 x 64,7 cm

2.4.3 Le dernier période (28 ans, 1897-1925)

Au dernier moment de sa vie, il a recommencé à utiliser des lignes étranges et à ne
pas être lui-même, causé par la perte de sa vision. Et à la fin, il n'avait plus qu'un œil. De
plus, il a également reçu des médicaments pour traiter les cataractes. Monet est capable de
voir les ondes de lumière ultraviolette que les yeux normaux ne peuvent pas voir. Cela lui a
fait changer sa vision. Cela a fait beaucoup de changements dans ses peintures comme les
deux ci-dessous.

Chemin sous les rosaces La maison dans les roses
Claude Monet, 1920 - 1922; , Giverny, France, Claude Monet, 1920 - 1925; Giverny, France,
Impressionnisme, paysage, l’huile sur toile Impressionnisme, collection la Maison vue de la Roseraie,
paysage, l’huile sur toile, 59 x 72 cm

14

L’âge d’or de Claude Monet (1872-1897)

3.1 L’âge qui a commencé a devenir célèbre

Avant que Monet ne devienne célèbre, il était très nécessiteux et découragé parce qu'il
a été beaucoup ridiculisé et critiqué pour son travail. Ce jour-là, presque tous les artistes
peignaient dans l’atelier. De plus, personne n'a acheté son travail. Mais il a fait de son mieux
pour son travail. Les impressionnistes ont fini par être reconnus. Après cela, il y avait un
marchand, Paul Durand-Ruel, qui achetait régulièrement son travail. Monet a commencé sur
le principe du travail en plein air. Ses œuvres après avoir construit son propre jardin ont
représenté une philosophie qui est loin de l'impressionnisme primitif parce que
l’impressionnisme, ce n'est pas un travail par le dessin uniquement. À cette époque, il a
influencé tous les domaines de l'art tels que la musique, la poésie, la prose et la littérature. En
1890, Monet possédait un puits dans son jardin à Giverny. Il y a un petit pont japonais plein
de fleurs et de lotus. Sa représentation devient une « passion » avec laquelle il peut refléter le
ciel et les nuages.

3.2 Les œuvres dans le moyen période

La première toile qui a donné naissance à ce mouvement artistique était Impression,
soleil levant, qui présentait également le mouvement. Ce tableau sera présenté au public lors
de la première exposition impressionniste. Cette époque est considérée comme l'apogée de
l'impressionnisme. Malgré les critiques satiriques que ses œuvres ont été trop moderne et
incomplet. Il y avait encore six expositions. L'achat constant de tableaux de Durand-Ruel,
Claude Monet, Il peut gagner de l'argent sans aller à une exposition.

Cette époque est la période la plus marquante de Monet parce qu'il il s'est concentré
sur le croquis, la composition et il a utilisé aussi des couleurs vives. Au Moyen période, ses
œuvres se composent de 305 tableaux et 5 collections : Série La Gare Saint-Lazare(1877),
Série Les Meules(1888-1891), Série Les Peupliers(1891), Série des Cathédrales de
Rouen(1892-1894), Série Les Nymphéas(1897-1899). Il aime peintre en série car au début, il
veut le dessin plus parfait. Mais finalement, ses peintures au même endroit mais à des
moments différents, elles ont une sensation visuelle différente. Par conséquent, il était fasciné
par la nature avec différentes couleurs.

15

Série La Gare Saint-Lazare(1877)

La Gare Saint-Lazare La Gare Saint-Lazare
Claude Monet, 1877; Paris, France, Claude Monet, 1877; États-Unis,
Impressionnisme, Série La Gare Saint-Lazare(W438), Impressionnisme, Série La Gare Saint-Lazare(W440),
paysage, l’huile sur toile, 75 × 105 cm paysage, l’huile sur toile, 60.3 × 80,2 cm

Série Les Meules (1888-1891)

La Meule de foin Les Meules, effet de gelée blanche
Claude Monet, 1886; Giverny, France, Claude Monet, 1889; Giverny, France,
Impressionnisme, Série Les Meules (W1073), Impressionnisme, Série Les Meules (W1215),
paysage, l’huile sur toile, 60,5 × 81,5 cm paysage, l’huile sur toile, 65 × 92 cm

16

Série Les Peupliers (1891)

Rangée de peupliers Les Peupliers, trois arbres roses, automne
Claude Monet, 1891; Giverny, France, Claude Monet, 1891; Giverny, France,
Impressionnisme, Série Les Peupliers (W1293), Impressionnisme, Série Les Peupliers (W1307),
paysage, l’huile sur toile, 100 × 65 cm paysage, l’huile sur toile, 93 × 74,1 cm

Série des Cathédrales de Rouen (1892-1894)

Le Portail, effet de matin La Cathédrale de Rouen, effet de soleil
Claude Monet, 1893; Rouen, France, Claude Monet, 1893; Rouen, France,
Impressionnisme, Série des Cathédrales de Rouen (W1353), Impressionnisme, Série des Cathédrales de Rouen (W1356),
paysage, l’huile sur toile, 100 × 66 cm paysage, l’huile sur toile, 100 × 65 cm

17

Série Les Nymphéas (1897-1899)

Le Bassin aux nymphéas Nymphéas
Claude Monet, 1899; Giverny, France, Claude Monet, 1914-1917; Giverny, France,
Impressionnisme, Série Les Nymphéas , Impressionnisme, Série Les Nymphéas ,
paysage, l’huile sur toile, 88 × 93 cm paysage, l’huile sur toile, 181 × 202 cm

Exemple de 305 tableaux (1872-1897)

Vue de Vétheuil Le Jardin de l'artiste à Giverny
Claude Monet, 1880; Vétheuil, France, Claude Monet, 1900; Giverny, France,
Impressionnisme, paysage, Impressionnisme, paysage,
l’huile sur toile, 81 × 65 cm l’huile sur toile, 90 × 92 cm

18

3.2.1 Les oeuvres célèbre

Ces peintures sont devenues une partie importante du mouvement impressionniste. En
regardant dans la peinture, il a vraiment utilisé la méthode de la peinture lumineuse. Il
représente le mieux l'œuvre de Monet. Il capture bien la lumière et les ombres, même sa
capacité à rendre la chair blanche réaliste.

Impression, soleil levant Rue sous la neige, Argenteuil
Claude Monet, 1872; Le Havre, France Claude Monet, 1875; France,
Impressionnisme, paysage urbain, l’huile sur toile, Impressionnisme, paysage, l’huile sur toile,
Musée Marmottan Monet, 63 x 48 cm Galerie Nationale, 91 x 71 cm

Dans le pré de fleurs (Dans la Prairie) Boulevard des Capucines
Claude Monet, 1876; France, Claude Monet, 1873 - 1874; France,
Impressionism, scène de genre, Impressionnisme, paysage urbain, l’huile sur toile,
l’huile sur toile, 82 x 60 cm musée d'art Nelson-Atkins, les États-Unis, 59 x 79 cm

19

3.2.2 Les oeuvres du collection de temps different

C'est une collection de peintures au même endroit plusieurs fois mais à des moments
différents. Cela fait une différence dans la couleur et la sensation de l’image. Pendant ce
temps, il a toujours peint dans ce style.

La rupture de la glace du Matin, La Seine La rupture de la glace l’eau grise, La Seine La rupture de la glace du Soir, La Seine
Claude Monet, 1880; France Claude Monet, 1880; France Claude Monet, 1880; France
Impressionnisme, paysage Impressionnisme, paysage Impressionnisme, paysage

Mer agitée à Étretat Mer agitée à Étretat, l’eau verte Mer agitée à Étretat, le coucher du soleil
Claude Monet, 1883; France, Claude Monet, 1883; France, Claude Monet, 1883; France,
Impressionnisme, paysage, Impressionnisme, paysage, Impressionnisme, paysage,
l’huile sur toile, Musée des beaux-arts de Lyon l’huile sur toile l’huile sur toile

Dans cette partie, je discute de l'histoire et de l'importance de l'impressionnisme. Il y a
aussi l'histoire des peintres et de leurs œuvres importantes. Enfin, il s'agit de la concentration
de Claude Monet pour son histoire et ses œuvres à chaque étape de sa vie.

20

Partie II : La théorie de l’art pour analyser les peinture de
Claude Monet

Une analyse du travail d'un artiste, est le reflet du sens et du sentiment. Elle est causée
par la vision d'images qui provoquent des sentiments. Chaque personne aura des visions et
des opinions différentes. Certaines personnes peuvent aimer une image pour une raison
quelconque, mais une autre personne ne l'aime pas. Il existe plusieurs méthodes d'analyse du
travail de l'artiste, par exemple : analyse avec la théorie des couleurs, analyse avec les
sentiments ( aimer ou n'aimer pas ) Dans ce chapitre, il traite des théories des couleurs telles
que la théorie des couleurs d'Eugène Chevreul et de Johann Wolfgang Goethe. Il y a aussi la
psychologie des couleurs et des émotions, éléments de la peinture et l'émotion de la personne
dans la peinture

1.1 La théorie des couleurs

La théorie des couleurs consiste à créer une nouvelle couleur. De plus, c'est ainsi que
les couleurs influencent nos humeurs et nos sentiments. Notre perception de la couleur
dépend de facteurs mentaux et de la vie passée (selon sa culture), de sorte que les mêmes
couleurs varient considérablement selon les différents groupes de personnes. Les sentiments
de chaque personne dépendront de son expérience, de sa culture ou même de ses préférences
personnelles, la couleur est donc importante. Nous pouvons diviser les couleurs en utilisant le
diagramme ou camembert (visuel cercle chromatique avec les 3 couleurs primaires et les 3
couleurs secondaires)

Le visuel cercle chromatique avec les 3 couleurs primaires
et les 3 couleurs secondaires, Image via researchgate,
uploaded by Firas Bessadok

21

1.1.1 Les principes de base

Les couleurs primaires

Les couleurs primaires, Image via Zenu Academie

Les couleurs primaires, elle nous permet de créer toutes les couleurs possibles par
l'imagination. C'est une base théorique pour créer les ingrédients de la palette. En langage
parlé, quand on parle des couleurs primaires. On pense au rouge, bleu, jaune. Mais ces trois
couleurs sont fréquemment utilisées, cela ne veut pas dire qu'elles sont les couleurs primaires.

Mais c'est une couleur qui ne peut pas être mélangée avec d'autres couleurs. Il diffère
des couleurs secondaires ou tertiaires. C'est une couleur que l'on peut faire la différence en
mélangeant. Les couleurs primaires ont différentes méthodes de séparation : utilisant les
faisceaux lumineux et s'appuie sur le mélange de matières pigmentées. L'image ci-dessous, Il
montre l'absorption des pigments primaires et secondaires lorsque les rayons lumineux
traversent le filtre. Cela signifie que la réflexion de la lumière sur une couleur. Il fait un
changement de couleur.

La perception des couleurs, Image via Alloprof

22

Synthèse additive et Synthèse soustractive

Synthèse additive est une combinaison de lumières de différentes couleurs pour créer
une nouvelle couleur. En synthèse additive, les couleurs primaires sont le rouge, le vert et le
bleu (RVB en français et RGB en anglais). Les nouvelles couleurs ont été créées en
combinant différentes intensités de rouge, vert et bleu.

Synthèse soustractive due à la réduction optique du papier avec ajout de couleur.
D'autre part, en synthèse additive, il ajoute diverses sources lumineuses pour créer de
nouvelles couleurs. Habituellement, les couleurs primaires de la synthèse soustractive sont le
rouge, le bleu et le jaune, à partir de ces trois couleurs, le peintre crée les autres couleurs de la
palette.

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Les couleurs secondaires

Les couleurs secondaires, Image via Zenu Academie

Les couleurs secondaires sont des couleurs formées en mélangeant deux couleurs
primaires. Les règles et la rigueur du mélange des couleurs sont moindres, cela produit des
résultats différents. Il existe trois couleurs secondaires : vert, orange et violet.
Les couleurs tertiaires

Les couleurs tertiaires, Image via Zenu Academie

Les couleurs tertiaires, elles sont formées d'un mélange de couleurs secondaires
égales et de l'une des deux couleurs primaires qui composent cette couleur. Les couleurs
tertiaires ont six teintes, elles peuvent être synthèse additive ou soustractive : Le pourpre, le
turquoise, l'indigo, l'ocre, le vermillon, et le vert chartreuse. On peut également être mélangé
au besoin.

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Nous devons remercier Johann Wolfgang von Goethe, Il est considéré comme le plus
grand de la littérature allemande de cette époque-là qui était l'un des inventeurs de la division
roue chromatique. Goethe définit « zone » en deux couleurs : « zone positive » et « zone
négative ». Les premières couleurs sont constituées du jaune, du rouge et du violet que nous
appelons maintenant magenta qui nous procurent une sensation de vitalité et
d’encouragement. La zone négative est composée de vert, de bleu et de violet, nous donnant
un sentiment d'anxiété et de nostalgie mais avec une douceur.

Roue chromatique de Goethe.
Image via l’union chefs opérateurs

Son concept est « la roue des couleurs ». Ce sont les six couleurs primaires pour
représenter les conflits émotionnels et voir les contraires. Ces couleurs sont le jaune, l'orange,
le rouge, cela pour la zone positive et le vert, le bleu et le violet, cela pour la zone négative,
qui sont différentes des couleurs synthétiques techniques d’aujourd'hui. Pour ces couleurs,
que Goethe appelait « combinaison », j'utiliserais plutôt « accord chromatique », qu'il trouvait
plus excellent.

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2.1 La théorie de Eugène Chevreul (Le chimiste)

Michel-Eugène Chevreul ( 1786 – 1889 ),
Le chimiste et le théoricien des couleurs.

Image via ilncataloque.blogspot

Eugène Chevreul, était un chimiste qui travaillait dans une usine de teinture à Paris.
C'est lui qui a découvert la théorie de la comparaison des couleurs. Il a divisé les couleurs en
deux groupes : les couleurs primaires étaient le jaune (Cambodge), le bleu (Crimson Lake) et
le deuxième groupe. Il s'agit d'un groupe de couleurs secondaires, qui est une combinaison de
couleurs primaires avec des couleurs mélangées. La couleur ressortira davantage si elle est
combinée avec la couleur élémentaire et à côté du violet. Cela va bien avec l'impressionnisme
de Monet. C'est différent en science. Cette théorie de la science aidera le peintre à apprendre
à utiliser ses couleurs pour les améliorer encore. Par exemple, pour rendre le bleu plus foncé,
le peintre a peint de l'orange à côté. Il sera beaucoup plus visible s'il est pris ensemble. Ce
n'est pas l'ennui du cliché où il y a des règles strictes et aucune liberté d’expression.

« Les lois de Chevreul sur la couleur » de théoricien Michel-Eugène Chevreul, il a
inventé la loi de la différence simultanée dont la théorie a influencé les œuvres de nombreux
peintres et aussi les impressionnistes. Chevreul est celui qui a fixé les règles des
combinaisons de couleurs, et il a également inventé le catalogue le plus complet de couleurs
antiques sous forme de cercles de couleurs. Il l'utilise comme système de mesure des
couleurs. La loi de Chevreul a donné aux peintres un moyen de supprimer les effets
indésirables du contraste. Il corrige par exemple l'effet du jaune, il le met en vert lorsqu'il est
associé au bleu et il choisit ses nuances opposées.

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2.1.1 Lois de contraste simultané de Chevreul

Chevreul a longtemps observé et utilisé l'effet de contraste. Il a énoncé la loi dans
l'accord général. Après cela, il a été soutenu par une série d'expériences systématiques et de
raisonnements basés sur le calcul des éléments de la lumière. Les textures moins lumineuses
apparaissent plus sombres sur un fond plus clair ou plus claires sur un fond plus sombre.

Contraste de luminosité de chevreuil,
Image via arcgis

Dans l'exemple d'image ci-dessus, les deux carrés au-dessus de l'autre dans la partie
droite sont également lumineux. Chaque tache est également lumineuse. Il est visible sur le
même fond clair. Le petit carré sombre adjacent en bas à droite sera presque aussi sombre que
le grand carré de gauche mais aura la même luminosité que le petit carré au milieu du grand
carré de gauche qui semble beaucoup plus lumineux. car c'est sur un fond sombre. C’est à
l'origine de « l'illusion de Chevreul », également connue sous le nom de « bande de Mach »,
qu'il s'agit de la frontière entre différentes gammes de luminosité.

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De plus, il a une gamme de couleurs différente mais il donne la même luminosité que
possible. Les couleurs changent de nuances à mesure qu'elles s'éloignent des couleurs
proches les unes des autres. Si on sépare deux couleurs sur un fond neutre comme l'image ci-
dessous. Nous assemblons le rouge et l'orange, mais le rouge à l'intérieur a tendance à être
violet mais en même temps, l'orange a tendance à être jaune.

Contraste de luminosité de chevreuil,
Image via arcgis

Quand deux couleurs opposées se rencontrent. Il produit le plus grand contraste de
couleurs comme deux petits carrés. Mais en fait, c'est la fin de la barre de couleur qui est
centrée par une barre horizontale. Cela signifie qu'il aura le plus d'effet sur les illusions.

Contraste de luminosité de Chevreuil
Image via arcgis

Cette théorie peut analyser des peintures de Monet qui ont été utilisé la lumière et
l'ombre pour tromper l’œil. Par exemple, une ombre projetée sur une personne dans un
tableau ou une ombre sur les vagues de la mer

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3.1 Les éléments de base du dessin.

C'est ce qui nous donne la portée du dessin et caractérise le style de dessin. De plus,
c'est quelque chose que nous pouvons apprendre à partir de zéro. C'est ce que nous
rassemblons et créons une nouvelle image. Il s'agit d'exprimer une émotion, un sentiment,
une pensée ou une beauté. L'image ci-dessous est un exemple de dessin qui utilise les
éléments de base d'un dessin.

Vetruvian(contour) par Leonardo da Vinci
Photo via istockphoto

La forme

Il apparaît dans la plupart des images, c'est ce qui relie les choses dans l'image.
L'esquisse est l'endroit où les lignes se rejoignent. Les artistes utilisent des lignes pour diviser
les zones d'une image, afin d'ajouter plus de détails ou d'accentuer. De plus, c'est pour la
commodité de la coloration. En général, il est divisé en trois formes. On l'appelle « les trois
figures mères ». Ce sont le triangle (symbole du successif/continu), le cercle (symbole du
tout/unique) et le carré (symbole du simultané/fusionner).

les trois gures mères, Image via symbolink

29

if

La ligne

Utiliser des lignes, ce n'est pas seulement une composition ou un croquis, c'est un
élément très important. Chaque tableau est composé de lignes, par exemple les lignes du
dessin de Frida Kahlo. Elle est utilisé pour déterminer le mouvement des choses dans une
image, comme le mouvement des personnes ou la météo. Elle représente les coups de pinceau
du peintre, qui peuvent caractériser chaque artiste. Il existe trois types de lignes : la ligne
courbe (des formes arrondies), la ligne brisée ou polygonale (composées de traits droits) et la
ligne droite (un simple trait droits).

L’espace

C'est l'une autre partie importante de l'art. Il peut également être utilisé dans les
dessins. Il crée un équilibre entre l'espace positif et négatif. La zone positive, c'est le
principal. L'opposé de l'espace négatif est la surface environnante. Les artistes utilisent
souvent des espaces positifs et négatifs pour équilibrer les deux. Cela a influencé le public à
interpréter la peinture.Voici un exemple d'utilisation parfaite de l'espace dans un dessin.

l'espace dans un dessin
Image via blog.levelup

30

La texture

La texture peut être l'élément pur qui est le début de la peinture ou simplement la
peinture au pinceau. Certaines peintures sont épaisses, en particulier les peintures à l'huile. Il
durcit la surface sur la toile. Il apporte une profondeur différente à la peinture. Certaines des
peintures de Claude Monet parlent d'empâtements. Les textures peuvent être lisses et fines,
contrairement à l'impusto pour représenter des objets délicats comme les vêtements ou les
feuilles.

Example du technique l’impusto Le technique l’impusto
Image via milone art academy Image via milone art academy

La composition

C'est l'un des éléments les plus importants de la liste des éléments de base du dessin.
Sa composition est l'agencement des éléments d'un tableau. Il définit l'objet principal et met
l'accent sur l'élément d'arrière-plan. Il est très nécessaire de le faire. C'est pour la perfection
de la composition. Nous devons considérer le placement des objets, l'équilibre, le
mouvement, les points focaux, les proportions et les lignes.C'est pourquoi les artistes passent
tant de temps à les composer. L'image ci-dessous montre la création d'une position équilibrée.

Comment réussir vos dessins: la composition
Image via cours-de-dessins

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La dimension
Pour que les peintres puissent peindre leurs tableaux, ils doivent avoir des dimensions

liées aux proportions des éléments du tableau. Les dimensions influencent la perception d'un
tableau, par exemple dans un portrait. Il est important que la composition du visage soit liée
les unes aux autres. Les artistes ont également un certain nombre de choses à considérer pour
leurs peintures, par exemple, la grande toile donne des résultats étonnants. Une petite toile, en
revanche, donne une sensation d’intimité. Il peut être divisé en deux types de dimensions :
des dessins ou des formes en 2 dimensions, qui sont la connexion de deux ou plusieurs lignes,
et des dessins en 3D, ou des formes, qui sont des dessins en amenant des surfaces de chaque
côté.

La différence entre les dessin 2D et 3D
Image via cours-de-dessins

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4.1 La psychologie des couleur et des émotion


La psychologie des couleurs explique pourquoi et comment les couleurs
in uencent nos émotions. Image via Radio2Space

Chaque couleur, elle représente ce que nous pouvons toucher et ouvrir le monde.
Différences de couleurs dans différentes cultures ou différences de points de vue individuels.
Bien qu'il soit différent, il influence la société et est très important dans la vie. La
psychologie des couleurs est l'étude de la façon dont les couleurs influencent nos pensées et
nos émotions. Parfois, nous pensons que nous voyons des couleurs différentes. Mais en
réalité, les couleurs ne sont que des ondes lumineuses de différentes longueurs. La lumière
fait partie du spectre électromagnétique, qui va de l'onde lumineuse la plus longue à l'onde
lumineuse la plus courte, qui est la lumière visible. Par conséquent, chaque couleur a sa
propre origine et sa propre signification.

JAUNE

C'est la couleur la plus claire. Elle a apparaît avec une légère atténuation, lumière qui
s'étend individuellement et largement dans l'air. Après elle a mélangé avec du bleu pour créer
du vert. Nous voyons toute la pureté et la beauté. Dans sa plus grande pureté, c'est aussi une
nature pour représenter intelligent, calme, joyeux et excitant. C'est divertissant et énergique,
avec sérénité et grandeur. Mais même s'il était pur, il était très probable qu'il soit souillé et
sale. Il a tendance à être plus négatif.

S'il y avait une contamination, cela faisait la belle impression de flammes et d'or
devenu imparfait. et la couleur de l'honneur, de la joie et de la joie s'est transformée en la
couleur de la honte et de la haine.

33

lf

ROUGE-JAUNE

Les deux couleurs sont considérées comme dynamiques, on peut facilement ajouter
du rouge en l'assombrissant. Le rouge augmente l'énergie, rendant le jaune plus puissant et
plus beau. Nous savons que le jaune peut être utilisé à un niveau élevé. Le jaune-rouge a une
sensation douce et ludique car il représente la lueur intense des flammes.

JAUNE-ROUGE

La sensation sensuelle et joyeuse du jaune-rouge, c'est plus sombre est une sensation
plus puissante en rouge-jaune qui est plus vive. Il a plus d'énergie. Habituellement, les
hommes forts et chauds aiment particulièrement cette couleur. C'est barbare et distinctif à
venir. Quand on la regarde, cette couleur est intrigante et accrocheuse. C'est très dramatique
et souvent quand il commence à faire noir.

BLEU

Le jaune vient toujours avec la lumière. Mais le bleu vient souvent avec le noir
comme élément. Le bleu affecte les yeux différemment des autres couleurs et est presque
inexplicable. Le bleu est puissant, mais il a un effet très négatif. C'est aussi une couleur pure.
C'est un coup de pouce au négatif. Extérieurement de cette couleur, il y a une contradiction
entre le mal et le calme.

Le bleu nous fait nous sentir vide, froid et solitaire. Ajouter du bleu aux objets
sombres et mélancoliques. Mais si on veut ajouter du bonheur à la couleur : le bleu-vert c'est
beau.

ROUGE-BLEU

Le bleu est absorbé par le rouge et rend la couleur assez active même s'il s'agit d'un
ton négatif. De plus, c'est excitant et joyeux mais c'est différent du rouge et du jaune. Les
couleurs de cette nuance sont mélangées avec des sentiments différents. Cette couleur
s'appelle violet, c'est une couleur qui n'a pas l'air joyeuse mais qui est en fait très gaie.

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ROUGE

Cette couleur est une couleur très spéciale, elle montre un sentiment de sérieux et de
dignité. De plus, elle est élégant et séduisant. Si c'est dans l'obscurité et la profondeur. Mais
s'il y a une couleur légèrement plus claire. Il représente un look mignon, lumineux et
enfantin. Dans la plupart des pays asiatiques, cette couleur est considérée comme la couleur
de la chance et de l'épanouissement. Mais parfois, c'est la couleur du danger et de la perte.

VERT

Il a le jaune et le bleu comme couleur de base de la couleur, ils se combinent pour
former le vert qui apparaît. Si les deux couleurs sont mélangées uniformément, ce sera une
belle couleur. Cette couleur représente le désir et le pouvoir de l'imagination. C'est une
couleur fraîche et lumineuse. C'est aussi une couleur représentative de la nature et des
plantes, elle est calme et sûre.

BLANC et NOIR sont incolores ?

Auparavant, on séparait les couleurs de l'éclairage scientifique et les couleurs utilisées
par les artistes ou les graphistes. Mais pour le blanc et le noir, ce n'est pas une couleur claire
qu'il y ait de la lumière ou qu'il n'y ait pas de lumière. Le blanc est la combinaison de toutes
les longueurs d'onde de la lumière, c'est donc l'onde lumineuse de toutes les couleurs
combinées. De plus, le noir c'est l'absence d'éblouissement qui nous donne le sens du noir ou
du gris : couleur-primaire-nuit.

Le noir est calme, calme et luxueux, mais parfois cela me donne des sentiments de
maladresse et de peur. C'est aussi un symbole de la nuit et du mal. Le blanc est également
propre, confortable et élégant. Mais c'est une couleur difficile à entretenir car elle peut être
très contaminée, elle peut aussi nous faire nous sentir isolé et égoïste. Il symbolise également
le jour et la bonté.

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Ce sont toutes des théories que j'utiliserai pour analyser les peintures de Monet dans
le prochain chapitre. Tout ce que j'ai mentionné est un processus très important. Cela, c’est la
théorie des couleurs d'Eugène Chevreul. En plus, j'utiliserai la psychologie des couleurs et
des émotions et aussi mon avis personnel pour analyser. Parfois, cela rend l'ambiance de la
peinture plus expressive. Ces théories peuvent m'aider à analyser le travail de Monet. Il s'agit
de la technique d'utilisation de la couleur ou du placement dans une peinture. Dans le dessin
ci-dessous, c'est un bon exemple de la composition et de l'utilisation de couleurs expressives.

Chemin dans le jardin de Monet
Claude Monet, 1899; Giverny, France,
Impressionnisme, paysage,
l’huile sur toile, 80cm x 70cm cm

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Partie III : Analyse les oeuvres de Claude Monet (1872-1882)

Ce chapitre traite de l'histoire et de l'analyse de toutes ces peintures. C’est une analyse
de la composition, de la couleur et de l'émotion des peintures.

1. Le Printemps, 1872

Le Printemps
Claude Monet, 1872; Giverny, France,
Impressionnisme, Portrait,
l’huile sur toile, 59 × 65 cm

Le Printemps ou La Liseuse, est une huile sur toile en mesure 59 × 65 cm. Elle a été
peinte en 1872. Elle est aujourd'hui conservée au Walters Art Muséum à Baltimore. La
peinture est de l'épouse de Monet, Camille Doncieux. C'est l'une des œuvres inoubliables de
Monet, c'est le portrait d'une femme en blanc assise à l'ombre d'une feuille, sa robe ornée de
diamants scintillants. Ce tableau rappelle la vie d'une jeune française dans cette époque-là.

La composition dans ce tableau, c'est très équilibré, la
personne dans la peinture est centrée. C'était une
peinture que tout le monde voyait et se sentait rafraîchie
et calme. Parce qu'il a un fond vert naturel et une robe
blanche de couleurs opposées comme un morceau de
cette peinture.

37

Cette peinture est basée sur la théorie des couleurs d'Eugène Chevreul, utilisant des
couleurs plus claires sur des neutres plus foncés. Par exemple, le blanc a été appliqué par
impusto sur le gris de la robe et le vert clair sur le vert foncé de l’herbe. Ce tableau a très peu
de dimensions car il s'agit d'un portrait.

Cette peinture utilise des tons verts et blancs, le vert est une couleur naturelle que tout
le monde comprend. Dans un autre sens, cela signifie Croissance, nouveauté, qualité et bonté.
Le blanc est la couleur de la pureté, de l'innocence, de la propreté et de la simplicité. L'artiste
a essayé de transmettre l'innocence d'une jeune femme au milieu d'une nature fraîche. La
composition du tableau est très bonne car il place une femme au centre du tableau et a un
fond d'arbres, ça a du sens.

Quand j'ai regardé attentivement le modèle dans cette peinture. Son beau visage était
immobile et concentré sur la lecture, elle ressentait la même chose que moi, cette peinture me
donne un sentiment de paix et de tranquillité. Même si ce tableau a été peint dans une ville
animée et bruyante, je me sentais perdu dans une période paisible. Cela me faisait sentir
l'odeur des arbres et de l'herbe trembler. Mes pieds ont touché l'herbe douce. Je sens le vent
souffler sur mon visage. J'ai entendu les oiseaux chanter joyeusement. Personnellement,
j'aime ce tableau car il exprime si bien la sérénité.

38

2. Impression, soleil levant, 1872

Impression, soleil levant
Claude Monet, 1872; Le Havre, France,
Impressionnisme, Paysage,

Cette oeuvre a été prise lors de la visite de Monet au Havre. La ville était un port
prospère entraîné par la révolution industrielle et contrairement aux bombardements actuels
de la Seconde Guerre mondiale. Cette peinture est un thème de bord de mer, elle crée une
impression visuelle floue et elle exprime un réfugié. Cette peinture a reçu beaucoup de
critiques, mais elle peut choquer les critiques. Ce tableau est presque un symbole de
l'impressionnisme et le plus célèbre représentant de Monet se transmettra bien à la génération
suivante. Il a influencé toute une génération de jeunes artistes.

Cette peinture est bien composée et a des points intéressants. Ce tableau porte une
attention particulière au port brumeux d'une ville industrielle enveloppée de brume matinale.
Cela rend les peintures que nous voyons presque en harmonie, qu'il s'agisse d'une installation
industrielle mélangée au ciel ou d'un bateau de pêche mélangé à la mer. C'est comme
l'exemple ci-dessous.

39

Ce tableau est capable d'utiliser la théorie des couleurs d'Eugène Chevreul, c'est l'utilisation
de couleurs sombres sur des couleurs claires, elle fait ressortir les choses qui utilisent des
couleurs sombres. Par exemple ci-dessous, les navires sombres sur la mer claire et le soleil
orange foncé, c'est très prononcé dans le ciel clair.

Cette peinture utilise des tons turquoise et orange, la turquoise représente le calme, la
fermeté, la solennité, l'austérité et l'ordre. L'orange est une couleur qui symbolise la chaleur,
la vitalité, l'excitation et la libération.L'artiste dépeint les difficultés et l'épuisement des
habitants de la ville qui travaillent dur tout le temps. Jusqu'à la lueur orangée du soleil, c'était
un signe de nouveau départ et de bonheur. Les éléments du tableau sont assez dispersés, qu'il
s'agisse d'un navire au milieu de la mer ou du soleil lui-même. Il est logique que toutes les
parties de cette peinture soient toutes d'égale importance. Mais ce qui semblera étrange, c'est
le flou de l'usine derrière. Cela rend cette peinture plus spéciale.

Quand j'ai regardé clairement ce tableau, j'ai ressenti un nouveau départ. Mais c'est un
nouveau départ avec les problèmes et l'obscurité qui l'éclipsent. Ce tableau montre le soleil
sur le point de briller, mais il doit attendre son moment pour montrer son éclat. Mes
sentiments pour ce tableau, j'étouffais dans le froid, je ne trouvais pas d'issue au problème. Je
dois juste attendre un peu plus longtemps pour que le nouveau jour brille et c'est mon
moment pour briller. Je pouvais sentir le grondement sans fin de l'usine et les marins criant de
l'autre côté du navire. Ce fut un moment incroyablement gênant. Tout ne peut pas se passer en
silence, c'est le début d'une vie bien remplie et tout le monde dans la ville est prêt à
commencer à vivre en quelques respirations. J'ai senti la brise froide de la mer mélangée à
l'odeur de la fumée d'usine alors qu'elle soufflait sur mon visage. Ce que j'aime le plus dans
ce tableau, ce sont les premiers rayons du soleil se reflétant sur la mer, scintillant comme un
diamant dans la lumière.

40

3. Le Déjeuner : panneau décoratif, 1872

Le Déjeuner : panneau décoratif
Claude Monet, 1872; Argenteuil, France,
Impressionnisme, Paysage,
l’huile sur toile, 38 x 30,4 cm

Ce tableau est la façade jardin de la première maison de Monet à Argenteuil. Il voulait
que l'art de la vie rurale soit confortable. En fait, chaque détail joue un rôle important dans
l'apparence. Des fleurs abondantes à la beauté de la robe, la blancheur de la nappe, la
disposition de la vaisselle, la belle vaisselle, etc.

Mais au contraire, il y avait un sentiment d'incertitude. Le repas est fini Beaucoup de
fruits ne peuvent être conservés, des choses manquantes notamment les convives, les tables
sont abandonnées, les parasols sont jetés. Le chapeau a été oublié sur la branche. Par
conséquent, il y a une atmosphère mystérieuse de bonheur enfoui.

41

Les éléments de cette peinture sont dispersés, mais ils sont dispersés de manière assez
équilibrée. Mais dans ce tableau, l'objet principal était une table recouverte d’une nappe
blanche, mais sur la table il y avait des objets épars. Pour cette raison, la composition de la
peinture est facilement équilibrée. Cette peinture a des tons dans le même tons, il est donc
difficile d'appliquer la théorie des couleurs d'Eugène Chevreul. Pour cette raison, il a choisi
d'utiliser une nappe blanche pour souligner l'importance de cette peinture.

De plus, dans cette peinture, les gens ont l'habitude d'ajouter de la vie à la peinture.
Ce sont un garçon et une fille, Monet ne s'est pas concentré sur le portrait mais il a utilisé des
personnes comme éléments pour compléter la peinture. Cette peinture utilise des tons gris et
marron. Le gris représente le sentiment de tristesse, de deuil, de découragement, de mystère,
de dépression et de vieillesse. Cette couleur a l'avantage d'être fraîche mais peut créer un
sentiment de tristesse. Le marron est la couleur secrète, cruel, fort, patient, puissant. C'est
symboliser la solitude et la fin de la fête. La composition du tableau, il y a de nombreux
points d'intérêt comme des objets sur la table ou sur le banc. C'est bâclé et dispersé.

Mes sentiments pour cette peinture, ça ne sent pas grand chose. Je pouvais sentir la
lenteur, la musique joyeuse touche à sa fin et la fin était proche. Mais il y avait encore la
lumière du jour qui brillait au milieu de nos têtes, ce qui donnait l'impression que nous
pouvions encore avoir une demi-journée à passer jusqu'à ce que le soleil soit parti et que la
lune prenne sa place. La raison en est que les tons de couleurs ne sont pas si brillants, je n'ai
pas envie de profiter du goûter de l’après-midi mais je sens encore l'odeur du pain et des
croissants qui viennent de finir de cuire.

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4. Boulevard des Capucines, 1873-187

Boulevard des Capucines
Claude Monet, 1873-1874; Capucines, France,
Impressionnisme, Paysage urbain,
l’huile sur toile, 50,8 × 78,2 cm

Boulevard des Capucines est le deuxième tableau de Monet dans la série Boulevard
des Capucines, peint en 1873. Il représente un après-midi d'hiver avec des arbres dénudés et
flous. On peut voir la vue verticale par temps de neige toit de la route. La route devant est
balayée de bandes blanches. Un homme en chapeau haut de forme observe la scène depuis le
balcon de droite. Cette peinture dépeint une journée lumineuse, fraîche et nuageuse alors que
de nombreuses personnes sortent pour dépenser leur argent. Je suppose que c'est un nuage
Cirrus, c'est un nuage fin ressemblant à une plume qui montre que le ciel est clair à ce
moment-là. Il était prévu qu'il ne neigerait pas beaucoup ce jour-là mais il était encore
couvert de brume.

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La peinture peut utiliser la théorie des couleurs d'Eugène Chevreul, mettant en
évidence la peinture à l'aide de la peinture rouge et blanche des ballons et de la jupe de fille
tandis que les autres portaient des vêtements noirs et des drapeaux jaunes et rouges sur une
scène bleu clair.

Ce tableau se concentre sur un ton bleu terne, il représente la fraîcheur, la sécurité, le
confort, la détente et la tranquillité d'esprit. Monet traduit probablement le confort et la
lenteur des citadins en hiver. La composition de la peinture, elle est divisée en deux en
diagonale avec un arbre au milieu. Elle se partage entre le côté bâtiment et le ciel, l'autre côté
est la rue piétonne. C'est l'élément parfait.

J'aime bien ce tableau, il montre le bonheur des gens vivant dehors sans grosse neige.
C'était une sensation froide mais confortable. Plus que l'odeur de neige et de froid, je pouvais
aussi sentir l'odeur de cigarette des hommes en vêtements d'hiver noirs. J'entendais les filles
parler de la mode de la nouvelle saison et j'entendais les pas et les rires des enfants qui
couraient dans la neige. Quelle journée heureuse! De plus, les arbres qui avaient montré leur
corps avaient fait leurs adieux à leurs vieilles feuilles mais les feuilles vert vif revenaient
bientôt. Ce tableau est une vue depuis le dernier étage de l'immeuble. Je vois un homme à
droite, en vêtements d'hiver noirs et un chapeau haut de forme. Il est debout en train de fumer
depuis son balcon. Bien sûr, j'aime l'attention portée aux détails dans cette peinture. Bien sûr,
j'aime les détails de Monet dans ce tableau.

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5. Boulevard Saint-Denis, Argenteuil, en hiver, 1875

Boulevard Saint-Denis, Argenteuil, en hiver
Claude Monet, 1875; Argenteuil, France,
Impressionnisme, Paysage urbain,
l’huile sur toile, 81.6 x 60.9 cm

Ce tableau a été peint dans une passerelle descendant la berge du chemin de fer vers la
vieille rue Saint-Denis. Aujourd’hui, c’est Karl Marx où il est visible en direction de la rue de
la Voie-des-Bans. Cette peinture a l'effet unique de la lumière et du temps, elle montrant
clairement le moment exact du soleil lorsque le soleil essaie de percer la neige. Cette peinture
est évidemment la contemplation minutieuse derrière sa technique apparemment naturelle.
Les sculptures de neige et de parapluie qui tombent rappellent les gravures sur bois
japonaises, qui ont eu une grande influence sur l'impressionnisme.

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Ce tableau est basé sur la théorie du contraste des couleurs et théorie des couleurs
opposées d'Eugène Chevreul. Nous avons remarqué le soleil ocre qui brillait à travers la
neige blanche et le ciel bleu et rose, qui étaient les couleurs opposées.

Cette peinture se concentre sur des tons bleus sourds et rose violacé. Le bleu terne
représente la fraîcheur, la sécurité, le confort, la détente et la tranquillité d'esprit, et le rose
violacé représente le prestige, la sensualité, le mystère, le pouvoir, l'amour et la tristesse.
L'artiste dépeint la sérénité de l'hiver et l'action énigmatique des gens dans les rues enneigées.
La composition du tableau est divisée horizontalement en deux entre le ciel et la terre. Il a
également utilisé la route du milieu comme élément principal. C'est la composition parfaite.

Cette peinture m'a fait sentir froid, humide et sentir l'odeur de la neige. Je me sentais
seul au milieu de la route loin des gens. J'étais déprimé et désespéré, mais quand j'ai levé les
yeux vers le ciel, j'ai vu un espoir doré briller. Oh, le soleil chaud va vite faire que la neige
nous quitte. Je me sens un fleuve en moi se débarrasser des glaces d'une démesure. J'ai vite
ressenti de l'espoir et de la joie. J'ai entendu le bruit de pas rapides sur la neige de personnes
marchant avec détermination. Ils ne pouvaient pas s'arrêter pour saluer les bonhommes de
neige en cours de route.

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